sábado, 29 de noviembre de 2014
viernes, 28 de noviembre de 2014
Aino Aalto arquitecta finlandesa
Aino Marsio Aalto (Helsinki, 25 de enero de 1894- Helsinki, 13 de enero de 1949) arquitecta finlandesa, falleció con cincuenta y cinco años. Muchos conocen al que fue su marido y compañero, Alvar Aalto. Pero muy pocos saben de la trayectoria de esta mujer tranquila, amante del diseño de objetos y de muebles, de la arquitectura, del arte vanguardista y de la educación montessoriana, casi siempre –por propia voluntad- a la sombra de “la luz del norte”. Así llamaron a su esposo, por incorporar la luz del Mediterráneo (a donde viajaron juntos) en sus diseños. S. Giedeon, historiador y amigo de la pareja dijo de Aino que era “plácida como los lagos y las selvas finlandesas de las que procedía; y también activa, aunque de la manera que sólo las nórdicas sabían serlo...”
Alvar y Aino trabajaron y se enamoraron y vivieron juntos y juntos diseñaron. ¡Qué difícil hacer todo eso juntos y seguir juntos! ¡Qué difícil compaginar estudios, trabajos, niños y viajes! Pero ella era tranquila, y a la manera de las mujeres de su época, permaneció detrás, no quiso significarse mucho y aún así los expertos reconocen sus diseños y su buen hacer arquitectónico en la primera época altiana.
La Villa Mairea, una de las obras más conocidas de la pareja, además de ser un proyecto emblemático de la modernidad, donde se combina el vernaculismo y la tradición -a través de las formas orgánicas y de los materiales – con la esencia más pura del funcionalismo de vanguardia, es compleja en sí misma. Pareciera que está orquestada por varias manos. Y así es, porque además de ellos, también participaron muy activamente el matrimonio Gullischen propietarios de la casa. Complejidad, superposición de distintas ideas en distintos lugares, composición por partes dando un bellísimo resultado repleto de matices, todo ello resulta obvio al pasearse por las distintas estancias de La Villa Mairea.
El Pabellón de Finlandia en la Feria Mundial de París (1937), la Biblioteca de Viipuri (1928-34), El Sanatorio Antitubeculoso de Paimio (1929) son sus trabajos más significativos realizados juntos. Sin contar con la compañía Artek (Arte+Técnica) que produce y vende muebles hasta la fecha y fue su trampolín de lanzamiento a nivel internacional...
La desaparición de Aino marca un punto de inflexión en la vida personal y profesional de Alvar Aalto. Según Tafuri: “Desde 1945 fue ajeno a toda demanda programática y sólo intentara desarrollar un lenguaje ya formado claramente a finales de los años treinta.”
Aino Aalto nacida como Aino Mandelin (1894-1949) estudió arquitectura en la Universidad de Tecnología de Helsinki como su marido, el famoso Alvar Aalto. En 1923 se fue a trabajar en la oficina de Gunnar A. Wahlroos, Jyväskylä, y pasó a la oficina de Alvar Aalto al año siguiente.
Este fue el comienzo de una larga y fructífera colaboración. En 1935 Aino Aalto, junto con Alvar Aalto, Maire Gullichsen y Nils-Gustav Hahl, fundada Artek, reconocida compañia del mundo del mobiliario e iluminación . Ella jugó un papel importante en la empresa y trabajó como Directora Gerente de Artek de 1941 a 1949. Aino Aalto tenido una brillante carrera como diseñadora de muebles de interiores, arquitecta y fotógrafa, pero es conocido principalmente por su diseño de cristalería. El diseño más famoso de Aino Aalto es probablemente la gama de cristalería Aino Aalto, creada en 1932 con el nombre de Bölgeblick, anillos de agua. La gama se diseño para un concurso que se organizó con el objetivo de producir vasos que sería adecuado para la producción en masa. Aino Aalto, que en la competición venció también a su marido, Alvar Aalto, se inspiró en los anillos cuando una piedra golpea el agua. Su diseño ganó el reconocimiento internacional inmediato y ganó la Medalla de Oro en el 1936 Milán Trienal. En producción desde 1932, los vasos de Aino Aalto no son solo ideales para el uso diario, sino también para fiestas elegantes . Su diseño simple es lo que los convierte en un clásico atemporal - perfecto para la mesa todavía hoy como lo fue en 1932.
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Entre los trabajos propios de Aino Aalto esta la participación en el pabellón finlandes de 1939 de la Feria del Mundo de Nueva York, cuyo premio principal, sin embargo, ganó su esposo Alvar Aalto.
http://www.scandinavian-south.com/crystal/aino_aalto.
http://lamujerconstruye.blogspot.com/2010/08/aino-marsio-aalto.html
http://en.wikipedia.org/wiki/Aino_Aalto
gracias a Maria Luisa Latorre
jueves, 27 de noviembre de 2014
Eulalia Uliverri soprano riojana
Eulalia Uliverri soprano nació el 12 de febrero de 1878 en Logroño, España
Debuta en el Teatro Eslava de Madrid con la obra “La Czarina” en marzo de 1898. Según manifiesta “sus papeles preferidos son los dramáticos y los cómicos finos”.
(Eco artístico 25-4-1910)
Junto con su hermano Severo, llega en 1905 al Teatro Martín obteniendo grandes éxitos. Coincidiendo con su llegada, el teatro empieza a obtener grandes llenos.
En 1906 estrena en el Teatro Cómico de Barcelona la zarzuela dramática “Soleá” de Joaquín Gené.
El 14 de octubre de 1907 se inaugura la temporada en el Teatro Martín con las siguientes obras:” Alma baturra” (estreno),” Ruido de campanas”;
“La zarina” y “El manojo de claveles” (estreno) (ABC del sábado 7 de septiembre de 1907)
“El manojo de claveles”, con música de Miguel Santonja y libreto en verso de Adelardo Curros, “fue escrita, según sus autores, sólo para que Eulalia Uliverri tuviera ocasión de lucir su preciosa voz”.
En abril de 1912 el Teatro Martín estrena dos obras en beneficio de Eulalia Uliverri. “Los pocos años” de M. Mihura y del Toro con música de M. Penella y “Los ángeles mandan” de Eduardo Montesinos y Linares Becerra, con música del maestro J. Jiménez.
En 1925 canta en Logroño, en el Teatro Bretón de Los Herreros la zarzuela “La revoltosa” de Ruperto Chapí.
http://www.elcorreo.com/vizcaya/v/20131019/rioja/compania-lirica-homenajeara-tres-20131019.html
http://institutodelazarzuela.blogspot.com/p/voces-riojanas_6534.html
http://www.bermemar.com/SIGLOXX/Ocio%20_XX_1Uliverri.html
miércoles, 26 de noviembre de 2014
Raili Pietilä arquitecta finlandesa
Reima y Raili comenzaron su colaboración en 1960 creando la oficina Reima Pietilä y Raili Paatelainen, renombrada en 1975 como " Arquitectos Raili y Reima Pietilä" . Reima Pietilä y Raili Paatelainen se casaron en 1963.
Entre las principales obras de Reima y Raili Pietilä figura el edificio Dipoli de la Student Union, en la Universidad Tecnológica de Helsinki.
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| Embajada de Finlandia Nueva Delhi - India |
Testimonian su preocupación por la adaptación de sus edificios al lugar donde se asientan, preocupación vinculada a su profundo interés por la filosofía y su inquietud por la identidad nacional finlandesa. En otros proyectos, llegaron incluso a intentar obtener formas arquitectónicas a partir del lenguaje de su país
A pesar de la propia e interesada percepción de Raili, aunque ella se sintiera igual a su compañero en el trabajo que desarrollaban, el mundo va por su lado y a día de hoy, 24-01-2018, casi cuatro años después de que se lanzo esta entrada, nos es muy difícil precisar datos importantes en su vida, datos que están bien claros en el caso de su marido desde varias fuentes. Sin duda para el mundo ella no fue tan importante como él .
"El silencio también habla"
de ANATXU ZABALBEASCOA
En Finlandia las mujeres arquitectas no lo han tenido tan difícil como en el resto del planeta. Aino Aalto firmaba los proyectos con su marido. Y Reima Pietilä (Turku, 1923-1993), marido de Raili (Pieksämäki, 1926) cambió el nombre de su estudio para incorporar el de la mujer que trabajaba con él y con la que terminó casándose. "Nuestro país fue donde las mujeres votaron por primera vez. No somos una cultura ruidosa, pero creemos en la democracia. Y en la igualdad entre las personas", explica Raili Pietilä.
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| Biblioteca Metso Tampere - Finlandia |
Ella y su marido fueron de los pocos arquitectos finlandeses capaces de digerir la lección de Aalto. "Reima dijo: 'Vamos a dar el salto sobre el coloso, a ver qué hay en el otro lado", explica en la Fundación ICO de Madrid, donde pueden verse sus dibujos y maquetas hasta el 21 de febrero. Por lo expuesto en estas salas, resultó que al otro lado había un mundo. Sus primeros edificios, como la iglesia Kaleva en Tampere, lograron una expresividad como pocas de las obras de Aalto. Y es que, entre los herederos del maestro finlandés, pocos resistieron la tentación de emularlo, pero entre un mar de epígonos los Pietilä supieron digerir su lección y construir un lenguaje propio.
El lenguaje, precisamente, obsesionaba a Reima Pietilä, que fue lingüista antes que arquitecto. Esa combinación hoy asustaría a muchos. "Reina estudió árabe cuando fuimos a trabajar a Kuwait. No es que quisiera entender lo que le decían. Quería entender la cultura a partir de las palabras y de la literatura. Siempre nos interesó tanto leer literatura como viajar para ver arquitectura. Nosotros éramos arquitectos de palabra: no discutíamos un proyecto dibujándolo, lo decidíamos hablando. Diseñábamos con palabras, no con líneas", explica.
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| Iglesia Kaleva Tampere - Finlandia |
"A veces inventábamos palabras, de la misma manera que algunos arquitectos inventan una tipología. En Finlandia las palabras son muy físicas, uno puede casi verlas", continúa. Esa manera lingüística de trabajar de los Pietilä produjo una arquitectura radical y al margen de modas que todavía hoy mantiene una espléndida vigencia física y formal. "La primera vez que visitas el edificio del sindicato de estudiantes Dipoli, en Espoo, cerca de Helsinki cuesta ver dónde está. El paisaje lo ha devorado", comenta el arquitecto Ángel Fernández Alba, que acompaña a la arquitecta en Madrid. Ella, con 83 años, explica los proyectos a partir de vivencias. En los años setenta, en Kuwait, los obreros no sabían leer. Y tuvieron que inventar un sistema de colores para marcar indicaciones en los planos. "El interior del palacio Sief reflejó esos colores en bandas cerámicas".
Los Pietilä desarrollaron una arquitectura amplia y nada excluyente. La idea era jugar de verdad. Sin descartar materiales, formas o tipologías, el riesgo es mayor. En un tiempo en el que triunfaban las construcciones en serie, de expresión anónima y con escasos detalles, ellos apostaron por dar más de lo necesario. Cuando no se había acuñado el término Land Art, trataron de demostrar que entre el arte y la arquitectura se abre un canal por el que circular.
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| Dipoli Conference Center Otaniemi - Finlandia |
Entre sus últimos trabajos, la biblioteca Metso, en Tampere, convivió en la mesa de trabajo con los planos para la residencia del presidente de Finlandia en Helsinki. La concluyeron en 1993, año en que murió Reima. Asentada en el terreno, con la solidez de sus muros de piedra, y abierta hacia el cielo, con las cubiertas como ramas, la residencia es un edificio artístico. Raili dejó de trabajar cuando murió su marido. "No quise seguir. Decíamos que las palabras hablan. Pero el silencio también lo hace. El silencio es una palabra fundamental en el idioma finlandés".
http://elpais.com/diario/2009/12/18/tendencias/1261090801_850215.html
http://www.lib.miamioh.edu/multifacet/books/%22Peitil%C3%A4,%20Raili%22?field=subjects
http://caroun.com/Architecture/Architects/R-Pietila/RailiPietila.html
http://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=7147
http://fi.wikipedia.org/wiki/Raili_Pietil%C3%A4
http://www.coagpontevedra.es/?cat=106
file:///C:/Users/ttenn/Downloads/BIOGRAF_CDA_PIETILA.pdf
martes, 25 de noviembre de 2014
lunes, 24 de noviembre de 2014
Barbara Kruger artista conceptual
Aforismos sobre el poder, la crítica a través del sarcasmo, el autocuestionamiento y la reflexión inteligente sobre la relación del arte con el comportamiento de masas dan identidad a la obra de Barbara Kruger (26 de enero de 1945).
Barbara Kruger nacida el 26 de enero de 1945 es una artista conceptual estadounidense. Gran parte de su trabajo consiste en fotografías en blanco y negro cubiertas de un pie de foto declarativo, de letras blancas sobre rojo con tipografía Futura Bold Oblique. Las frases en sus obras a menudo incluyen el uso de pronombres en inglés como "you", "your", "I", "we", y "they".
Es conocida principalmente por su obra basada en la fotografía, que combina su formación como diseñadora gráfica con su interés por la poesía y la influencia de los medios de comunicación de masas.
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Después haber estado en la Syracuse University, la escuela de Artes Visuales, y de estudiar arte y diseño con Diane Arbus en la escuela de diseño Parson’s en Nueva York, Barbara Kruger obtuvo un trabajo al Condé Nast Publications. También trabajaría para la revista Mademoiselle, y ocuparía pronto el lugar de cabeza del área de diseño antes de trasladarse a California en 1976 para dedicarse al arte y a la poesía. Barbara Kruger trabajó como diseñadora gráfica, directora artística y como editora de imágenes en el departamento de arte de las revistas “House and Garden” y “Aperture” entre otras. El trabajo artístico que hoy conocemos de Barbara Kruger se vio muy influenciado por sus experiencias creativas en el campo del diseño. La artista interpreta y trabaja sobre documentos fotográficos ya existentes con textos sucintos y agresivos que envuelven al espectador en la lucha de valores cotidianos predeterminados por el ámbito socio-cultural. Barbara Kruger además de ser artista y diseñadora, estuvo enseñando en diferentes lugares de prestigio como el Instituto de Arte de California, el Instituto de Arte de Chicago y en la Universidad de California, en Berkeley. Vive entre Nueva York y Los Angeles. Habiendo diseñado ya varias cubiertas para libros de tema político, Kruger siguió lidiando con cuestiones sociales, en particular la misoginia y el abuso de poder. Empleando el lenguaje visual de la publicidad y los medios de comunicación -en carteles, vallas e incluso camisetas, además de las galerías-, subvierte la iconografía de la sociedad de consumo usándola como vehículo de sus mensajes.
Según Bárbara Kruger la fotografía puede ser un medio de difusión importante y lo define como “difusor de convenciones, mercancía cultural y hobby globalizador”.
A través de la representación las imágenes consiguen decretar lo que en apariencia es real, y por consecuente pueden plantear cuestiones o debates. Kruger se plantea la pregunta de que si es posible “construir un modo de mirar que acoja la presencia del placer y escape a las decepciones del deseo”. Además plantea cómo las mujeres artistas se sitúan en el mercado que “las construye y (…) engulle”.
La artista con su obra intenta ir en contra de prototipos y determinadas representaciones para acoger a un público femenino dentro del mundo patriarcal, como también lo es el mundo del arte. Pretende hacer pensar en y quiénes guían la imagen femenina, los placeres de las mujeres, sus carencias y sus relatos. Barbara Kruger se posiciona por el lado de lo que no se ve, de aquello que está excluido por lo evidente y afirma “pretendo alterar las austeras certezas de las imágenes, la propiedad y el poder”.
De todas formas, el arte de esta artista está afuera de lo que sería el movimiento feminista de los ´70 y de los sucesos que en esos años dieron visibilidad al trabajo de mujeres artistas. En los ´80 el trabajo de Kruger se sometió a un profundo cambio a respecto de los movimientos feministas. En la generación creadora de Kruger el género se empieza a entender como una “construcción producida a través de la representación”6 más que como una condición natural.
Siendo una construcción se podía deconstruir y cuestionar. En este sentido, el trabajo de Kruger empezó a tener mucha contundencia. Referentes importantes de la idea de construcción de género fueron escritore/as como Foucault, Baudrillard, Julia Kristeva, J. Lacan y Jaques Derrida.
Algunas obras de arte no soportan el paso del tiempo, pero el trabajo de Barbara Kruger sigue estando de actualidad, los temas que trata siguen preocupando hoy en día. Feminismo, género, consumismo, poder y política son sus principales inquietudes.
Se la encasilla muchas veces en el movimiento feminista de los 70, ya que empezó haciendo piezas textiles como muchas de ellas. Pero su trabajo se acerca más al de artistas como Jenny Holzer o Martha Rosler, y su estilo está totalmente marcado por su experiencia profesional como diseñadora gráfica. Tras estudiar arte y diseño con Diane Arbus y Marvin Israel consiguió un puesto en Condé Nast, y trabajó en los departamentos de arte de diferentes revistas, de donde vienen sus influencias.
Comparte esta característica con Warhol, quien también sacó provecho de su experiencia como diseñador gráfico. De esta manera Kruger absorbió los estilos y tópicos de la utilización de la imagen y el texto en prensa para jugar con ellos y transmitirnos su mensaje. Resultan unas imágenes impactantes como las que se pueden ver en prensa o publicidad, pero conscientes de sus estereotipos, realizando una crítica a los valores que a menudo éstos realzan.
Barbara Kruger también tiene el valor de haberse distanciado del modelo de arte institucional y encerrado en sí mismo, ya que desde el principio plasmó sus obras en todo tipo de soportes y lugares para que llegasen al máximo público posible. Utilizando el lenguaje de los medios de masas crea mensajes desde otro punto de vista, a veces el opuesto, haciendo reflexionar al espectador. La apropiación de imágenes y estéticas ajenas para crear nuevos significados no era una novedad en el mundo del arte, lo vemos en artistas como Andy Warhol o Roy Litchtenstein sin ir más lejos, y sigue siendo un recurso muy utilizado. Desde cualquier punto de vista que miremos el trabajo de Barbara Kruger, incluso las obras más antiguas, aún funcionan hoy como el día en que se crearon.
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Consolidación del trabajo sobre género
A principios de la década de los ´70 todavía realizó algunos trabajos con materiales y técnicas textiles. Estas técnicas de origen decorativo se asociaban al trabajo manual de las mujeres y en esos años ciertas artistas feministas las reivindicaron en el mundo del arte. Sin embargo el trabajo de esta artista se dio a conocer después de esta primera etapa, cuando empezó a trabajar con material fotográfico y texto. El suyo fue y sigue siendo un trabajo muy influenciado por su formación como diseñadora. En su proceso creativo, Kruger marcó un estilo muy personal: fotografías generalmente en blanco y negro como fondo de unos lemas de carácter crítico.
La letra siempre está clara, generalmente es de color rojo, negro o blanco. En estas obras la artista empezó a utilizar el lenguaje de la propaganda, directo y cortante, pero desde otro punto de vista que el de la publicidad: el de crítica al control de la élite cultural y de poder. Con estas obras Kruger se enfrenta a la cultura dominante y hace que aquellos que lean sus mensajes también se vean en el papel de reflexión. Los eslóganes más conocidos de algunos de sus trabajos son: “Your Body is a battleground” (tu cuerpo es un campo de batalla) o “I shop therefore i am” (Compro, luego existo). Gran parte de sus textos interrogan al observador sobre feminismo, clasismo, consumismo, autonomía individual y deseo. Kruger dedicó algunos trabajos a artistas mujeres poco reconocidas, como la obra titulada “Homenaje a Gunta Stölz” de 1972. En 1973 este trabajo fue publicado en la revista “Ms." junto con otras producciones de mujeres artistas. En ese momento Barbara Kruger estaba en contacto con varios artistas relevantes como Alan Shields, Joel Shapiro, Marilyn Lerner, Jane Kaufman, Nina Yankowitz, Julian Schnabel y Ross Bleckner. Kruger también empezó a escribir poesía inspirada en Patty Smith. Su trabajo artístico empezó a recibir atención en la Bienal de Whitney, en el Artist Space y en galerías como la Fischbach y la John Doyle de Chicago. En 1975 su obra artística empezó a ser diferente, empezó a adquirir cierto valor de abstracción, pero éste fue sólo un corto periodo de experimentación. Barbara Kruger en este momento se replanteó su proceso creativo y lo que significaría “llamarse a sí misma una artista”.7 Los 4 años siguientes le sirvieron para construir su metodología de trabajo y su identidad como artista. En este periodo dio clases en algunas escuelas y en algunas universidades del país. Algunos elementos que influyeron a Kruger durante este periodo fueron los debates sobre la “construcción del género” en el trabajo de Carol Squiers, Lynne Tillman, Rainer, Akerman, Mary Kelly y Jane Weinstock. A finales de la década de los ´70 tenemos algunos trabajos de transición de la artista de collage de texto superpuesto sobre imágenes. Algunas de las frases escritas en estas obras fueron: “Perfect” “Not perfect”.
http://homonormativity2020.blogspot.com/2013/03/maggie-portzline-barbara-kruger.html
http://museografo.com/barbara-kruger-mensajes-con-poder-e-identidad/http://www.barbarakruger.com/http://nodisparenalartista.wordpress.com/2013/10/04/barbara-kruger/
http://www.smithsonianmag.com/ist/?next=/arts-culture/barbara-krugers-artwork-speaks-truth-to-power-137717540/
http://es.wikipedia.org/wiki/Barbara_Kruger
domingo, 23 de noviembre de 2014
Siete feminicidios cada 24 horas en México
MÉXICO, D.F. (apro).- Al lanzar la campaña ‘Únete’ para poner fin a la violencia contra las mujeres, la Organización de las Naciones Unidas (ONU) dio a conocer que en México se registran diariamente siete homicidios contra mujeres en promedio.
Con datos de la Secretaría de Salud y del Instituto Nacional de Estadística y Geografía (Inegi), la representación de la ONU alertó que sólo el año pasado 2. 502 mujeres perdieron la vida.
Según esos datos, entre 1985 y 2013 se registraron en México 44. 646 muertes femeninas que, de acuerdo con el certificado de defunción, habrían sido víctimas de feminicidio.
Esas cifras dan cuenta de que la discriminación y la violencia contra las mujeres y las niñas en el país continúa siendo una de las grandes violaciones en materia de derechos humanos.
“La violencia contra las mujeres no es sólo problema de las mujeres, es un problema de la sociedad. Es el problema de derechos humanos más extendido, e impide el camino al desarrollo y a la paz”, expresó Ana Güezmes, representante de ONU Mujeres en México.
Por su parte, la diputada Martha Lucía Mícher, presidenta de la Comisión de Igualdad de Género en San Lázaro, precisó que las entidades donde hay más denuncias por feminicidios son el Estado de México, Guerrero, Jalisco y el Distrito Federal.
Los últimos datos de violencia recogidos en la Encuesta Nacional sobre Dinámica de las Relaciones en los Hogares, de 2011, muestran que 63 de cada cien mujeres de 15 años y más han padecido algún incidente de violencia en algún momento de su vida.
En el ámbito de las relaciones de pareja, 27% han tenido al menos un incidente de violencia emocional, económica, física o sexual, ejercida por la pareja.
En tanto, 15.5% de las mujeres, en el mismo rango de edad, fue víctima de violencia por parte de un desconocido, vecino o amigo.
Ana Güezmes resaltó que las leyes mexicanas continúan teniendo lagunas para combatir ese tipo de violencia, y recordó que la Convención sobre la eliminación de todas las formas de discriminación contra la mujer (Cedaw, por sus siglas en inglés) recomendó a México armonizar sus leyes en la materia.
Cuestionó, además, que la impunidad y el silencio sigan siendo la última respuesta a este tipo de delitos, “lo que constituye una ofensa a la humanidad y a la dignidad”.
La campaña ‘Únete’ iniciará el 25 de noviembre, Día Internacional Contra la Violencia Hacia las Mujeres, y concluirá el 10 de diciembre, Día Internacional de los Derechos Humanos.
“Queremos pintar de Naranja a México para concientizar contra la violencia hacia las mujeres”, dijo Güezmez.
http://www.proceso.com.mx/?p=387558
sábado, 22 de noviembre de 2014
Ana Mendieta artista, escultora, pintora y videoartista cubana
Mendieta no sólo fue una artista con una identidad fronteriza, fue mujer y tanto con su cuerpo, como con la silueta del mismo, representó un deseo de comunión con el universo, una necesidad de entrar de nuevo a formar parte de la tierra, que para ella significaba lo esencial, lo que nos da la vida y a donde regresamos al morir. La vitalidad de Mendieta y su deseo de comunicarse son dos de las características de esta autora. La obra de Mendieta es un grito corporal, emitido desde cada punto posible y vivido con plena intensidad . Con esta vitalidad y energía se despidió Ana Mendieta de la vida un día al caer de la habitación de su apartamento después de una discusión con su marido. Es extraño que un ser tan intenso como Mendieta ya no esté con nosotros, pero aún nos queda su arte, las fotos de sus instalaciones y los videos de sus performances y, sobre todo, nos queda esa voz de mujer, esa marca indeleble, ese sello presente en toda la obra de Mendieta que nos recuerda lo cerca que estamos en la vida de la muerte y viceversa.
La familia de Mendieta y sus amig@s consideran que fue vicitma de feminicidio, aun cuando su esposo saliera libre por falta de pruebas tras varios juicios que se interpusieron contra él .
Ana Mendieta (La Habana, 18 de noviembre de 1948 – Nueva York, 8 de septiembre de 1985) fue una artista, escultora, pintora y videoartista cubana. Es reconocida por sus obras de arte "earth-body art".
Las obras de Ana Mendieta fueron autobiográficas y enfocadas en temas como el feminismo, la violencia, la vida, la muerte, el lugar y la pertenencia. Mendieta se ha concentrado en una relación física y espiritual con la Tierra, muy especialmente en su serie «Silueta» (1973-1980). Dicha serie implicó la representación de siluetas femeninas en la naturaleza —en barro, arena y hierba— con materiales naturales que iban desde hojas y ramas, hasta sangre, imprimiéndolo en su cuerpo o pintando su silueta en una pared.
En 1983 Mendieta fue galardonada con el Premio de Roma de la Academia estadounidense en Roma. Durante su residencia en Roma, Mendieta comenzó a crear «objetos» de arte, incluyendo dibujos y esculturas. Siguió utilizando elementos naturales en sus obras.
Ana Mendieta falleció el 8 de septiembre de 1985 en Nueva York debido a una caída desde su apartamento en el piso 34 de Greenwich Village, donde vivió con su esposo, el escultor minimalista Carl Andre unos ocho meses. Justo antes de su muerte, los vecinos habían oído a la pareja discutiendo violentamente, aunque no hubo ningún testigo que haya visualizado el altercado. Andre fue juzgado y absuelto del cargo de asesinato. Durante los tres años de juicio, el abogado de Carl Andre describió la muerte de Mendieta como un posible accidente o suicidio.
Cuando comenzó con su obra «Silueta» en la década de 1970, Ana fue una de los muchos artistas que experimentó con géneros emergentes como Land Art, Body Art y Performance. Posiblemente Ana Mendieta haya sido la primera persona en combinar dichos géneros, creando uno nuevo, al que bautizó como esculturas «earth-body». A menudo, ella utilizó su cuerpo desnudo para explorar y conectarse con la Tierra, como se ve en su obra Imagen de Yagul, de la serie Silueta en México, 1973-1977. La primera vez que Mendieta utilizó sangre para hacer arte fue en 1972, cuando creó la obra Sin título (Muerte de un pollo), en la cual estaba su cuerpo desnudo delante de una pared blanca sosteniendo por sus pies un pollo recién decapitado con sangre salpicada en su cuerpo desnudo. Consternada por la brutal violación y asesinato de Sara Ann Otten, una estudiante de enfermería de la Universidad de Iowa, Ana se untó con sangre y se ató a una mesa en el año 1973, invitando a la audiencia a dar testimonio.9 En la obra People Looking at Blood Moffitt (1973), una serie de fotografías, en la cual hay en la vereda un trapo con sangre derramada y un tránsito de gente aparentemente interminable que camina observando la sangre sin detenerse, hasta que el hombre de al lado (la vidriera de la tienda lleva el nombre H.F. Moffitt) sale para limpiarlo.
Mendieta también creó la silueta femenina utilizando la naturaleza como su lienzo y su medio. Ella utilizó su cuerpo para crear siluetas en la hierba, en la arena y la suciedad y de fuego. Untitled (Ochún) (1981), llamada así por la diosa de las aguas de Santería, que una vez señaló hacia el sur desde la costa de Key Biscayne, Florida. Entierro del Ñañigo (Ñañigo Burial) (1976), con un título tomado del nombre popular de una hermandad religiosa afro-cubana, es un conjunto de velas negras en el suelo que forma el contorno del cuerpo de la artista.10 A través de estas obras, que cruzan las fronteras del performance, el cine y la fotografía, Mendieta exploraba su relación con el lugar, así como una relación mayor con la Madre Tierra o la figura de la «Gran Diosa».11
Mary Jane Jacob sugiere en su libro Ana Mendieta: The "Silueta" Series (1973-1980) que gran parte del trabajo de Mendieta fue influenciado por su interés en la religión Santería, así como una conexión con Cuba.7 Jacob atribuye al «uso ritualístico de la sangre» y el uso de la pólvora, la tierra y las rocas a los tradicionales rituales de Santería. Jacob también señala la importancia de la figura de la madre, refiriéndose a la deidad maya Ix Chel, la madre de los dioses.
Como se documenta en el libro Ana Mendieta: A Book of Works, editado por Bonnie Clearwater, antes de su muerte, Mendieta estaba trabajando en una serie de foto-grabados de esculturas rupestres que ella había creado en Escaleras de Jaruco, del parque estatal de Jaruco en La Habana.12 Sus esculturas se titularon Esculturas rupestres (1981), y el libro de grabados fotográficos estaba siendo creado para preservar estas esculturas, como un testamento de la intertextualidad de su obra. Clearwater explica cómo las fotografías de esculturas de Mendieta eran a menudo tan importantes como la pieza que se documentaba, ya que la naturaleza del trabajo de Ana era muy impermanente. Mendieta dedicó mucho tiempo y pensamiento en la creación de las fotografías como lo hizo en las esculturas mismas.
Ana Mendieta regresó a La Habana, Cuba, el lugar de su propio nacimiento y del nacimiento de este proyecto, pero ella seguía explorando su sentido del desplazamiento y la pérdida, según Clearwater. Las Esculturas rupestres que Ana creó también fueron influenciadas por el pueblo taíno (habitantes nativos de las Antillas pre-hispánica), que fue estudiado por ella.
Mendieta había completado cinco foto-grabados de las Esculturas rupestres antes de su muerte en 1985. El libro Ana Mendieta: A Book of Works, publicado en 1993, contiene dos fotografías de las esculturas, así como notas de Mendieta sobre el proyecto.
Body Tracks (Rastros corporales) son marcas largas y borrosas hechas por las manos y los antebrazos de Ana Mendieta, cuando se deslizó por un pedazo grande de papel blanco durante una actuación principal con pulsante música cubana.
https://transpersonalspirit.wordpress.com/2013/04/08/visionary-works-of-ana-mendieta/
http://pendientedemigracion.ucm.es/info/especulo/numero33/laberint.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Ana_Mendieta
http://www.fundaciotapies.org/site/spip.php?rubrique214
http://www.theguardian.com/artanddesign/2013/sep/22/ana-mendieta-artist-work-foretold-death
http://www.ecured.cu/index.php/Ana_Mendieta
viernes, 21 de noviembre de 2014
Kirstine Roepstorff
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Kirstine Roepstorff (nacida en 1972 en Copenhague , Dinamarca ) es un artista con sede en Copenhague y Berlín .
Está representada por Galleri Christina Wilson [6] en Copenhague. Ella también mostrará el trabajo con RH Gallery en la ciudad de Nueva York en 2010.
http://www.saatchigallery.com/artists/kirstine_roepstorff.htm
http://www.eskum.dk/Default.aspx?ID=219
https://www.youtube.com/watch?v=RMZZW9BQPmQ
http://www.kirstineroepstorff.net/
jueves, 20 de noviembre de 2014
Yakiri Rubí Rubio Aupart : "Si te violan defiéndete, pero poco"
Yakiri Rubí Rubio Aupart (Ciudad de México, 13 de abril de 1993) es una activista, feminista y política mexicana. En el año 2015 se postuló como candidata a diputada local por el distrito IX a la Asamblea Legislativa del Distrito Federal por el Partido Movimiento Ciudadano.
"Si te violan defiéndete, pero poco. El caso de Yakiri Rubio"
Este caso es un referente que nos muestra como la justicia es androcentrica, patriarcal y machista. ¿Como se puede entender que uno de los hombre que participo en su intento de secuestro para finalizar con violación este libre y que la víctima de violación por defenderse vaya a la cárcel? .
No nos sorprendemos, en Irán recientemente asesinaron a otra mujer que se defendio de su violador. La violencia estructural y cultural inserta en la sociedad de la que somos victimas, da como resultado estas terribles acciones .
Precisamos un compromiso claro y universal que juntas debemos exigir desde cada uno de nuestros pequeños lugares .
Todo nuestro apoyo para Yakiri Rubio y todas las mujeres que como ella están sufriendo una revictimización, solo por pedir sus derechos.
LOS HECHOS
En su declaración Yakiri afirmó que el 9 de diciembre de 2013, cerca de las 7 de la noche salió de trabajar. Su plan era encontrarse con su pareja en la estación del metro Doctores, en el lugar dos sujetos en una motocicleta naranja se le acercaron ofreciéndole un raite, al que ella se negó. Hoy sabemos que sus agresores son los hermanos Miguel Ángel y Luis Omar Ramírez Anaya.
Miguel Ángel se bajó de la motocicleta, la agarró por la espalda, la amagó con una navaja, la obligó a subir y ella quedó en medio de los dos hombres.
Se dirigieron al hotel Alcázar en la colonia Doctores y antes de entrar al estacionamiento Luis Omar descendió del vehículo mientras Yakiri y Miguel Ángel entraban. Los encargados del hotel saludaron al agresor con familiaridad. Sin registrarse, sin pagar y sin llave subieron al primer piso y entraron a la habitación 27 que se encontraba abierta.
Una vez adentro, ella suplicó una y otra vez que no le hiciera nada. En ese momento entró Luis Omar. Ambos la aventaron de espaldas contra la pared. Miguel Ángel abusó de ella. La joven intentó zafarse y rogó por su vida. Para dominarla, el sujeto usó la navaja y la hirió en el brazo. En medio de la violencia Luis Omar salió de la habitación.
Miguel Ángel sostenía la navaja. Para evitar que se la clavara en el pecho ella agarró el filo. Con sus dos manos Yakiri logró doblarle la mano y herirlo en el cuello. Él se agarró la herida, tomó su ropa y se fue.
Enseguida ella salió desnuda y pidió auxilio en la recepción del hotel, pidió que lo agarraran, que no lo dejaran ir. Gritó que la habían violado e intentado matar.
Como nadie la ayudó, regresó a la habitación, se vistió a medias y salió en busca de auxilio. Al ver una motopatrulla sobre la avenida Niños Héroes solicitó ayuda, contó brevemente lo ocurrido a los policías y se dirigieron a la agencia 50 que está a una cuadra.
ACUSACIÓN
A las 8:50 de la noche del lunes 9 de diciembre, Yakiri denunció los hechos ante el MP. Narró lo ocurrido cuando de repente entró Luis Omar. Ella lo vio y gritó “él es el otro con el que estábamos”. Él le espetó: “Maldita, te voy a matar, tu lo mataste”. Señalamiento que bastó para que la joven pasara de ser víctima a “victimaria”.
El MP abrió una averiguación previa por homicidio doloso y no por violación. El 17 de diciembre el Juzgado 68 Penal, a cargo de Santiago Ávila Negrón, consideró que había pruebas suficientes y le dictó auto de formal prisión, fue recluida primero en el penal de Santa Martha Acatitla y después trasladada a Tepepan.
Ese mismo día la abogada Ana Katiria Suárez Castro logró iniciar la averiguación ACI/T3/405/13-12 D01 por violación sexual en la Fiscalía de Investigación para Delitos Sexuales.
La Fiscalía rescató la primera exploración física del 10 de diciembre, que consigna 20 lesiones en el cuerpo de Yakiri que concuerdan con su narración. No obstante las irregularidades de la PGJDF no se han subsanado.
22 de mayo de 2015 :Tras pasar 86 días presa, hasta que el Tribunal Superior de Justicia del Distrito Federal reclasificó su delito de homicidio calificado a homicidio en “exceso de legítima defensa”. Yakiri pudo seguir el proceso en libertad condicional pero con una fianza de 450.000 pesos. Ayer esa fianza quedó anulada, y Yakiri absuelta sin cargos. El Tribunal nº13 reconoció, como ya alegaba el Amicus Curiae que hace un año presentó la Comisión de Derechos Humanos del DF, que ella estaba en una situación de vulnerabilidad y que aunque se defendió y lesionó al violador, esa agresión no cesó el peligró.
Finalmente quedo absuelta del delito de homicidio. Esta fue la resolución del juzgado número 13 Penal de delitos no graves para Yakiri Rubí Rubio, despues de un año y medio en que se defendio cuando la estaban violando.
http://www.cimacnoticias.com.mx/node/65483
miércoles, 19 de noviembre de 2014
Adela Inés Iturralde lustradora de zapatos
El dia 14 de noviembre de 2014 murio Adela Ines Iturralde en Ambato provicia de Tungurahua (Ecuador ). Nuestro homenaje desde aqui a esta mujer que por situaciones injustas de la vida se ha visto obligada a trabajar hasta sus 80 años .
El pasado año la comisión encargada de designar a la mujer destacada que iba a ser homenajeada el 5 de marzo en el Municipio de Ambato, previo al Día Internacional de la Mujer, designo a Adela Ines Iturralde.
Traemos lo que se escribio sobre ella en relación a tal nombramiento :
Sentada sobre una diminuta silla de madera, con su mirada completamente vivaz y llena de esperanza, de cabello blanco, vestimenta formal y muy limpia, con todas las fuerzas para lustrar el calzado a quien lo necesite, encontramos Adela Inés Iturralde, de 79 años, en su puesto ubicado en el Portal.
Se trata de una mujer trabajadora, esforzada y valiente, que no ha logrado hacer riqueza pero si muchos amigos que la quieren y la consideran.
Hace más de 48 años Inés emigró de su natal Píllaro y llegó a esta ciudad donde mucha gente la vio esforzarse y ser una mujer de coraje y de una amabilidad increíble.
Ella llegó a trabajar junto a su esposo, quien fue el que consiguió el puesto de lustrar zapatos en el sector del Portal, donde laboró varios años. Cuando él falleció y Adela quedó desde ese momento a cargo del espacio.
A partir de este instante su vida ha sido muy intensa, ya que sus actividades siempre han iniciado desde muy temprano, considerando que ella actualmente vive en el sector de Huachi Chico, desde donde baja diariamente hasta el lugar de su trabajo para empezar la labor.
Quienes la conocen, aseguran mirar en ella a esa madre humilde, con bondad y con el mejor regalo para dar a las personas, que es su sonrisa sincera.
El paso de los años y los problemas a los que ha tenido que enfrentarse, han desgastado en ella el sentido del oído, pero sus ganas de seguir siendo lo que es, una mujer de bien, la hacen ser más fuerte y defenderse siempre en la vida.
Su comunicación con la gente es escasa, pero no le impide ser la más querida de quienes permanecen en el Portal, cumpliendo la misma labor que Adela.
La familia de esta admirable mujer está conformada por tres hijos, una mujer y dos varones; tiene siete nietos y tres bisnietos.
Sin embargo, sólo su hija es quien cuida de ella, pese a que es Adela Inés quien lleva el ‘pan a la casa’, debido a que una enfermedad obligó a su hija dejar de trabajar.
“Mi madre es quien trae la comida a la casa. Lo que queremos ahora es poder recuperarme y conseguir un trabajo. somos gente humilde, pero honesta y honrada. Mi madre es muy hacendosa y muy ágil”, dijo Jennifer del Carmen, hija de Adela.
Actualmente, Adela tiene una serie de dolencias en su pulmón, rodillas, brazos y estómago, que se agudizan con el pasar del tiempo. Su condición económica la han limitado a tener que curarse de alguno de sus enfermedades.
Ahora, ella tiene la esperanza de que el Municipio de Ambato, a través del Patronato Municipal, pueda apoyarla con atención médica gratuita, ya que lo necesita urgentemente.
En esta fecha el alcalde de Ambato, aseguró que se dará apoyo directa a Adela Inés en el Hospital Municipal, debido a su condición física y sobre todo económica.
Esto sin duda, alegró el corazón de esta mujer, quien espera con ansias la ayuda; mientras tanto, sigue en su misión de bolear zapatos sin dejar de ser amable, humilde y una mujer sencilla.
Hace poco, el Concejo Cantonal de Ambato le entregó un acuerdo de felicitación por su ejemplo de trabajo y superación, donde se destaca su forma de ser y sobre todo la calidad de gente en todos estos años de labor en el Portal.
También le entregaron un pintura con el rostro de Adela Inés por parte del artista Francisco Suárez, quien dijo haber estado gustoso de haberla pintado tal y como ella es, en su esencia espiritual.
http://www.lahora.com.ec/index.php/noticias/show/1101483491/-1/IN%C3%89S,_SIN%C3%93NIMO_DE__HUMILDAD_Y_TRABAJO.html
martes, 18 de noviembre de 2014
Margaret Atwood poeta, novelista, crítica literaria y activista política canadiense
El 18 de noviembre de 1939, nace Margaret Atwood, prolífica poeta, novelista, crítica literaria y activista política canadiense.
Es miembro del organismo de derechos humanos Amnistía Internacional y una de las personas que presiden BirdLife International, en defensa de las aves.
Se la describe como una escritora feminista, ya que el tema del género está presente en algunas de sus obras de forma destacada.
Se ha centrado en la identidad canadiense, en las relaciones de este país con Estados Unidos de América y Europa, en los derechos humanos, en asuntos ambientales, en los páramos canadienses, en los mitos sociales sobre la feminidad, en la representación del cuerpo de la mujer en el arte, la explotación social y económica de ésta, así como las relaciones de mujeres entre sí y con los hombres.
Inició su carrera literaria componiendo poesía, para luego comenzar a escribir relatos, campo en la que se ha convertido en una verdadera maestra, así como novelas. En 1969 publicó The Edible Woman, donde se hizo eco de la marginación social de la mujer.
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Es la segunda de los tres hijos de Carl Edmund Atwood, zoólogo, y Margaret Dorothy William, nutricionista. Debido a la investigación que llevaba a cabo su padre sobre entomología forestal, Atwood pasó gran parte de su infancia entre el norte de Quebec, Ottawa y Toronto.
Pronto se convirtió en una ávida lectora de todo tipo de literatura, desde novelas de misterio, hasta cuentos de los hermanos Grimm, historias sobre Canadá y cómics. Fue al instituto en Leaside, Toronto.
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Atwood empezó a escribir a los 16 años. En 1957 inició sus estudios universitarios en la Victoria University de Toronto. Tuvo como profesores a Jay Macpherson y Northrop Frye, que encaminaron su poesía inicial (Double Persephone) hacia el tema de los mitos y los arquetipos.
Se graduó en 1961 como licenciada en filología inglesa, con estudios también de francés y filosofía.
En 1968, se casó con Jim Polk, de quien se divorció en 1973. Luego, contrajo matrimonio con el novelista Graeme Gibson, con quien se mudó a Ontario, al norte de Toronto. En 1976 tuvieron a su hija Eleanor Jess Atwood Gibson. Volvió a Toronto en 1980.
http://es.wikipedia.org/wiki/Universidad_de_Harvard
https://www.facebook.com/pages/Tiempo-de-mujeres/119893691479318?fref=ts
lunes, 17 de noviembre de 2014
Isa Genzken artista contemporánea
Isa Genzken (nacida el 27 de noviembre de 1948, Bad Oldesloe , Schleswig-Holstein , Alemania) es un artista contemporánea que vive y trabaja en Berlín . Sus medios primarios son la escultura e instalaciónes, utilizando una amplia variedad de materiales, incluyendo hormigón, yeso, madera y textiles. También trabaja con la fotografía, el vídeo, el cine y el collage.
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| Fragmentos de la obra Kinder Filmen I |
Aunque el enfoque principal de Isa Genzken es la escultura, ella utiliza varios medios incluyendo la fotografía, cine, video, obras sobre papel y lienzo, collages y libros. Su diversa práctica se basa en el legado de constructivismo y el minimalismo y con frecuencia implica un diálogo crítico, abierto con la arquitectura modernista y de la cultura visual y material contemporáneo. El uso de yeso, cemento, muestras de construcción, fotografías. Genzken crea estructuras arquitectónicas que se han descrito como ruinas contemporáneas. Ella incorpora espejos y otras superficies reflectantes para dibujar literalmente al espectador en su trabajo.
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| Fragmentos de la obra Kinder Filmen I |
La columna es un motivo recurrente para Genzken, un tropo arquitectónico "puro" en el que explorar las relaciones entre "arte culto" y los productos fabricados en serie de la cultura popular.
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| Bouquet , parte de la columna . |
https://www.moma.org/calendar/exhibitions/1320?locale=en
http://en.wikipedia.org/wiki/Isa_Genzken
http://the-artists.org/artist/isa-genzken
http://www.saatchigallery.com/artists/isa_genzken.htm
domingo, 16 de noviembre de 2014
Victoria Vasconez Cuvi escritora de Ecuador
Victoria Vasconez Cuvi (7 de septiembre de 1891- 29 de mayo de 1939) fue una escritora nacida en Latacunga hija del Pablo A. Vásconez Velasco y de Josefa Cuvi Vásconez.
Desde temprana edad se radicó en la ciudad de Quito donde alcanzó gran renombre y notoriedad, integrando el grupo literario femenino de Zoila Ugarte de Landívar y Morayma Ofyr Carvajal.
Fue de esas personalidades cuyo carácter la llevó a ocupar altísimos sitiales. Fue Miembro de la Sociedad Bolivariana, del Grupo Alas y de la Comisión Internacional del Segundo Congreso Panamericano celebrado en Washington, y Secretaria de la Sección Ecuatoriana del mismo.
Abordó varios géneros literarios y con fino talento escribió «Ensayos Literarios», «Problemas Educativos», «Vida de Mariana de Jesús» y «Actividades Sociales y Domésticas de la Mujer».
«Su pluma y su talento, su tiempo e ilustración, los ha consagrado al cultivo de las letras, a la investigación paciente y tenaz de los fenómenos sociológicos que han preocupado y preocupan hoy a los hombres de estado, a los conductores de la opinión nacional, a los maestros de juventudes y a todos los portavoces de las inquietudes del siglo actual. Y en toda esa labor de austera y metodizada investigadora científica ha salido airosa tan distinguida escritora...» (Reginaldo M. Arízaga O.P..- «Valores Ecuatorianos, Escritores y Poetas»).
Murió en Quito el 29 de mayo de 1939.
