Tomie Ohtake, nombre de nacimiento Tomie Nakakubo (Kyoto, 21 de noviembre de 1913 - São Paulo, 12 de enero de 2015), fue un artista japonesa naturalizada brasileña. Su trabajo incluye pinturas, grabados y esculturas. Ella fue una de las principales representantes del abstraccionismo informal en Brasil.
En 1936, cuando tenía veintitrés años, Ohtake viajó a Brasil para visitar a un hermano pero no pudo regresar debido a la Segunda Guerra Mundial.
Ohtake se instaló en São Paulo con su esposo y comenzó a pintar en 1951, después de una visita al estudio del pintor Keisuke Sugano.
Tuvo su primera exposición en 1957, en el Salón Nacional de Arte Moderna y en 1961 participó en la Bienal de São Paulo . En 1972 participó en la sección de Grabados de la Bienal de Venecia y en 1978 de la Bienal de Tokio .
Creó docenas de esculturas de espacios públicos de finales de los años ochenta; su trabajo ha
aparecido en varias ciudades de Brasil, pero especialmente en el estado de São Paulo.
aparecido en varias ciudades de Brasil, pero especialmente en el estado de São Paulo.
Fue premiada en el Salón Nacional de Arte Moderno en 1960, participando en cinco ediciones de la Bienal de San Pablo.
En 1988, Ohtake recibió la Orden de Río Branco por la escultura pública que conmemoraba el 80 aniversario de la inmigración japonesa en São Paulo, y en 2006 fue galardonada con la Orden del Mérito Cultural .
Tomie Ohtake era la madre de los arquitectos Ruy Ohtake y Ricardo Ohtake.
Falleció el 12 de enero de 2015, a los 101 años.
Tomie Ohtake, frases rápidas
En la inminencia de su centenario, Tomie Ohtake trabaja todas las semanas en nuevas pinturas, esculturas y grabados, mientras que visitantes serenamente entretenidos están interesados en preguntarle una vez más sobre su trayectoria. Tomie Ohtake no habla mucho, y no es solo por su edad. La fuerza de su producción proviene, entre otras cosas, de la forma íntima y espontánea de su proceso creativo, libre de cualquier compromiso con los discursos explicativos. Su casi silencio habla, por lo tanto, de su profunda implicación con el arte liberado de los principios compositivos racionales y calculables que marcaron los discursos de los artistas concretos a mediados de los años cincuenta. Esta apuesta abre un camino hacia una investigación continua y cohesiva que trasciende los paradigmas constructivo-geométricos.
En lo sucesivo, proponemos un pasaje a través de algunas breves declaraciones hechas por Tomie Ohtake durante una conversación en agosto de 2013.
"En ese momento no sabía cómo preparar la pintura, pero no le pregunté a la gente sobre eso, así que seguí intentando averiguar por mí misma".
Alentada por Keiya Sugano, una famosa pintora japonesa que pasó por Brasil, Tomie Ohtake pasó una semana experimentando con la pintura al óleo en 1952. En ese momento tenía 39 años, era ama de casa y madre de dos hijos, y nunca ha dejado de pintar desde entonces. En su biografía afectiva, esta semana representa el momento de reunirse con el sueño que tuvo en Japón en 1936. Hacer arte, vivir como artista, esta ambición no tenía y comenzó alimentándose de los temas figurativos más tradicionales: pinturas de bodegones, retratos, casas y escenarios urbanos. A pesar de la convencionalismo de estos temas, Tomie Ohtake enfatiza el enfoque empírico que ha aplicado para ella, en el que es demasiado orgullosa y está demasiado ansiosa por sumergirse en los principios técnicos de la pintura académica occidental. En su juventud, parecía demasiado preocupada con virtuosidades. La atención a las cualidades intrínsecas de los materiales de pintura (textura, viscosidad, pigmentación, transparencia, tiempo de secado, etc.) comenzó, casi como un accidente, y más tarde se convirtió en uno de los aspectos definitorios de su producción.
"No doy títulos a mi trabajo para que la persona que lo ve no cree un solo significado en sus cabezas. El barniz de títulos permite a las personas usar sus propias ideas ".
Río de Janeiro y Sao Paulo, Tomie Ohtake se liberó del aspecto figurativo explícito de sus primeros estudios y se zambulló en la investigación de abstracciones creadas sin regla ni brújula: sin formas figurativas que aún evocan superficies acuáticas, luces, estrellas, imágenes cosmológicas, dependiendo de la imaginación del espectador.
Para hacer, esta opción vendría de un deseo de asociar con este o ese movimiento de vanguardia, y más como ecos de su afiliación estética con formas y composiciones que fueron más condensadas y cohesivas. Por lo tanto, la abstracción permitió un manejo más directo y elemental del color, el gesto y la materialidad. También liberó la realización de las obras, llevándolas a un terreno abierto, sin guiones o conjuntos. Finalmente, eligieron la abstracción debido a su preferencia por los artículos del hogar, la cultura y los rituales japoneses, desde el teatro hasta la religión, pasando por la creación de ornamentos; ella dice que siempre elige la más simple y condensada. Nuevamente, en su universo afectivo, la simplicidad que se encuentra en su hogar, en su espacio de trabajo, se entrelaza con lo que busca en su pintura.
"No hay concepto"
Cuando se le preguntó, Tomie Ohtake reitera, con la misma actitud que ha mantenido durante décadas, que sus pinturas no resultan de la implementación de conceptos, cálculos o fórmulas previamente elaboradas. Todo es gesto, solo gesto pictórico, asegura. Es imposible creer completamente esta afirmación, ya que es imposible purgar por completo el gesto del proceso pictórico, por lo que es poco probable que elimine todo pensamiento y formulación lógica del proceso creativo.
Tomie Ohtake es responsable de la historia del arte, enfatizando la diferencia entre los movimientos de vanguardia concretos y neoconcretos en Brasil. A diferencia de los programas, manifiestos y principios de estos grupos, la práctica del artista se basa en la investigación sobre el poder de sus gestos, es decir, los posibles encuentros entre su mano y el material que elige, ya sea para sus estudios o sus obras de arte. El concepto, como, reside en la hipótesisde investigar materiales, formas y colores, que ella recombinó a lo largo de seis décadas de trabajo. Lejos de lo aleatorio en sus procedimientos, sabía cómo, en cada período, mantener algunas variables y mantener a los demás en posición abierta, al igual que un músico interesado en explorar aspectos alternativos de las escalas musicales.
"Estoy utilizando mi tiempo ensamblando y combinando formularios" en esos estudios hechos con papel triturado y recortes.
El proceso más recurrente en las obras de Tomie Ohtake es el collage: hecho de lágrimas y recortes de revistas brasileñas y japonesas. Desde la primera mitad de la década de 1960, se ha utilizado en el procedimiento para definir los campos de color por la escritura a mano, es decir, debido a las texturas, ranuras y bordes de los desvíos impredecibles que este método impone a las formas. Durante los años 1970 y 1980, sus estudios muestran una fuerte definición del contorno de las formas. Esto se debe a las tijeras para cortar el papel. Estos pequeños proyectos repercuten directamente en las obras del artista, que muchas veces conservan en sus pinturas e imprimen los mismos contornos delicados de los collages, así como las texturas y tonalidades de los papeles que usaron.
La existencia de estos estudios y la fidelidad de sus pinturas no son contradictorias. Pero en realidad, cambian, la temporalidad del trabajo. A diferencia del proceso de meditación, intensamente inmerso en un estado de la improvisación y la deriva de las pinceladas, Tomie Ohtake confía en momentos decisivos en la que el azar, la manejabilidad y la intuición convergen en al forma prematura. Usando metáforas orientales, su pintura es más cercana a un samurai que a la meditación de un monje. Estos gestos compactos repercuten, en la continuidad de su trabajo, en múltiples reinterpretaciones y recombinaciones de las formas, de acuerdo con un método empírico de exploración no dogmática de las posibilidades. Las piezas de arte están escritas en frases, fragmentos de un lenguaje personal.
"Me gusta la música, Beethoven y otros clásicos, pero para trabajar, necesito silencio"
Esta pregunta y respuesta debe leerse como una "paz mental". La pintura de Tomie Ohtake apunta a la simplicidad del gesto y la forma.
https://es.wikipedia.org/wiki/Tomie_Ohtake
http://www.equilibriarte.net/article/4127
http://www.institutotomieohtake.org.br/en/tomie_ohtake/interna/tomie-ohtake-frases-mais-rapidas-que-a-mao
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