Jane Francesca Agnes, nacida Elgee, Lady Wilde (27 de diciembre de 1821 - 3 de febrero de 1896) fue una poeta irlandesa con el seudónimo de Speranza partidaria del movimiento nacionalista de su país. Jane Wilde tenía un interés especial en los cuentos populares irlandeses, que ayudó a recopilar. Fue la madre de Willie y Oscar Wilde .
Jane fue la última de los cuatro hijos de Sarah nacida Kingsbury, que murió en 1851 y Charles Elgee (1783-1824), hijo del archidiácono John Elgee , un abogado de Wexford . Se dice que dominaba 10 idiomas a la edad de 18 años aprendidos en gran medida de forma autodidacta. Afirmaba que su bisabuelo era un italiano que había llegado a Wexford en el siglo XVIII
El 12 de noviembre de 1851 se casó con Sir William Wilde , cirujano de ojos y oídos (y también investigador del folclore), en la iglesia de San Pedro en Dublín, y tuvieron tres hijos: William (26 de septiembre de 1852 – 13 de marzo de 1899), Oscar (16 de octubre de 1854 - 30 de noviembre de 1900) e Isola (2 de abril de 1857 - 23 de febrero de 1867). Su hijo mayor, William Wilde, se convirtió en periodista y poeta, su hijo menor, Oscar Wilde, se convirtió en un escritor prolífico y famoso, y su hija Isola Wilde murió de fiebre en la infancia.
Cuando su marido murió en 1876, la familia descubrió que estaba prácticamente en bancarrota. Jane Wilde, ahora Lady Wilde, luego de que su esposo fuera nombrado caballero en 1864, se unió a sus hijos, Willie y Oscar, en Londres en 1879, donde se estaban haciendo un nombre en los círculos literarios. Vivía con su hijo mayor en la pobreza, complementando sus escasos ingresos escribiendo para revistas de moda y produciendo libros basados en la investigación de su difunto esposo sobre el folclore irlandés. Escribió varios libros, entre ellos 'Leyendas antiguas, encantos místicos y supersticiones de Irlanda' (1887). Se dice que sus poemas influyeron en el propio trabajo de su hijo Oscar. Por ejemplo, su 'Ballad of Reading Gaol' se ha comparado con su poema 'The Brothers' (basado en una historia real de un juicio y ejecución en la Rebelión de 1798).
En enero de 1896 Lady Wilde contrajo bronquitis y, al morir, pidió permiso para ver a Oscar, que estaba preso en la cárcel de Reading . Su solicitud fue rechazada. Fue enterrada de forma anónima en un terreno común sin lápida. En 1996 fue conmemorada en forma de placa en la tumba de su esposo Sir William Wilde en Dublín como Speranza of The Nation, basándose en su trabajo como escritora, traductora, poeta y nacionalista, autora de obras sobre el folclore irlandés, una de las primeras defensoras de la igualdad de la mujer y fundadora de un destacado salón literario. En 1999, la Sociedad Oscar Wilde le erigió un monumento , en forma de cruz celta, en el cementerio de Kensal Green.
Lady Wilde era sobrina de Charles Maturin y escribió para el movimiento Young Ireland de la década de 1840, publicando poemas en The Nation bajo el seudónimo de Speranza . Sus obras incluyeron escritura a favor de la independencia irlandesa y antibritánica; a veces se la conocía como "Speranza of the Nation". Charles Gavan Duffy era el editor cuando "Speranza" escribió un comentario llamando a la revolución armada en Irlanda. Las autoridades cerraron el periódico y llevaron a Charles Duffy a los tribunales, pero se negó a nombrar a la persona que había escrito el artículo. Se dice que "Speranza" se presentó ante el tribunal y se atribuyó la responsabilidad del artículo. Si bien las autoridades ignoraron la confesión, cerraron permanentemente el periódico.
Jane fue una de las primeras defensoras de los derechos de la mujer e hizo campaña por una mejor educación para las mujeres. Invitó a la sufragista Millicent Fawcett a su casa para hablar sobre la libertad femenina. Elogió la aprobación de la Ley de propiedad de la mujer casada de 1883, que favorecía el que una mujer tuviera que contraer matrimonio "como esclavas, privada de todos los derechos sobre su fortuna".
Leyendas antiguas de Irlanda
En 1864, Sir William y Lady Wilde estaban en el centro de un sensacional caso judicial en Dublín relacionado con una joven llamada Mary Travers, hija de un colega de Sir William y paciente desde hace mucho tiempo. Travers afirmó que Sir William la había drogado con cloroformo y la había violado en 1862; cuando Lady Wilde escribió una carta al padre de Travers impugnando las acusaciones, Mary la demandó por difamación. Mary Travers ganó el caso dejándonos constancia de la realidad que envolvía a Jane Francesca con un marido denunciado por violación.
Plaque colocada in 2000 por English Heritage aen el numero 87 de Oakley Street, Chelsea, London SW3 5NP, Royal Borough de Kensington and Chelsea
Obras
Wilde, Jane (1888). Leyendas antiguas Encantos místicos y supersticiones de Irlanda .
Biografías
Lady Jane Francesca Wilde 'Speranza' 1821-1896 Poeta y ensayista vivió aquí 1887-1896
En 1911, la escritora estadounidense Anna de Brémont , que afirmaba haber tenido una estrecha amistad con Lady Wilde, publicó unas memorias tituladas Oscar Wilde y su madre .
Madre de Oscar: La vida de Jane Francesca Wilde , Joy Melville, John Murray (1994)
Las mujeres de Wilde: cómo Oscar Wilde fue moldeado por las mujeres que conocía , Eleanor Fitzsimons, Gerald Duckworth & Co Ltd (16 de octubre de 2015)
Una biografía crítica de Lady Jane Wilde, 1821?-1896, revolucionaria irlandesa, humanista, académica y poeta , Karen Sasha Anthony Tipper, Edwin Mellen Press (2002)
Jane Wilde es recuperada en el libro de Eibhear Walshe como una importante poeta, académica, ensayista, traductora y comentarista social. / Jane Wilde (1826 - 1898), de soltera Jane Francesca Elgee, fue la madre de Oscar Wilde, demostrando que fue una notable poeta, traductora y escritora de panfletos políticos por derecho propio. Cuenta sobre su contribuyó a The Nation bajo el nombre de 'Speranza' y de su llamado a las armas en nombre de los Jóvenes Irlandeses. nos cuenta que tradujo La revolución francesa de Lamartine (1850) y El amor glaciar de Dumas (1852).
Nos habla este libro de que su salón fue un centro clave para artistas, académicos y dignatarios visitantes. Muy considerada como escritora y erudita en vida, la reputación de Jane Wilde sufrió mucho con la desgracia de su hijo. Él mismo era muy consciente de la naturaleza impresionante de sus logros. Escribiendo en su testamento de prisión De Profundis, dijo que “Ella y mi padre me habían legado un nombre que habían ennoblecido y honrado, no solo en literatura, arte, arqueología y ciencia, sino en la historia pública de mi propio país, en su evolución como nación”.
La obra ofrece un breve estudio cronológico de la vida y los escritos de Jane Wilde, abordando su educación, su carrera como activista política y editora de The Nation, y como revolucionaria y traductora. Se basa en sus propios escritos y en sus cartas publicadas recientemente para dar cuenta de su vida laboral, su lugar dentro del nacionalismo cultural irlandés de mediados del siglo XIX y su relación con otros escritores destacados de su época. El libro incluye una extensa bibliografía y una cronología de su vida.
Marie Melanie d'Hervilly Gohier Hahnemann (2 de febrero de 1800 - 27 de mayo de 1878) fue una homeópata francesa. Se casó en 1835 con Samuel Hahnemann, creador del sistema de medicina alternativa llamado homeopatía.
Nacida en el seno de una familia noble francesa, tras pelear con su madre salió de casa y se fue a vivir con su profesor de pintura, Guillaume Guillon Lethière, en 1815. Durante la epidemia de cólera de 1832, en París, se interesó por la homeopatía. En 1834 visitó a Hahnemann y un año después se casaron. Abrió una clínica en París y le ayudó.
Fue titulada por la The Allentown Academy of Homeopathic Healing Art en Estados Unidos.
Traemos este articulo que nos ayuda a entender más su contribución y su vida :
Melanie Hahnemann, a pesar de todo su amor y devoción por Hahnemann y la homeopatía, fue virtualmente enterrada viva en la condena y la ignominia por la comunidad homeopática internacional cuando se negó firmemente a deshonrar la última petición de Hahnemann de mantener desconocido el contenido de la sexta edición del Organon. Por su resuelto cumplimiento y dedicación a las instrucciones clara y públicamente declaradas de Hahnemann, fue sofocada bajo un manto de confusión y falsedades que ha durado 150 años. En realidad, Melanie Hahnemann es probablemente la estrella más brillante de toda nuestra historia. Dónde habría terminado la homeopatía sin la influencia de esta increíble mujer, es una pregunta que todos debemos considerar.
Llamada « mi mejor estudiante » y « el mejor homeópata de Europa » por nada menos que el propio Hahnemann, las contribuciones de Melanie d Hervilly Gohier Hahnemann a la homeopatía y a Hahnemann han sido pasadas por alto en su mayoría. La misión y el propósito de Melanie Hahnemann han sido constantemente malinterpretados en la historia. Incluso en su muerte, ella sigue sin ser reconocida, su tumba ni siquiera está marcada con su nombre.
Qué mayor desaire para una mujer que renunció a su vida, su juventud y su posición social, para promover la causa de nuestra ciencia y difundir la enseñanza de Hahnemann. Sin ella, la homeopatía nunca podría haber alcanzado la reputación mundial y el reconocimiento que tiene. ¿Qué sería de la homeopatía hoy, si no hubiera sido por su estancia y la de Hahnemann en París, donde trataron a personas como los von Rothschild, y Paganini, su hogar se convirtió en una clínica y La Meca para aquellos que sufrían y buscaban aprender? Y es durante estos últimos años de su vida, debido a su apoyo y aliento, que Hahnemann desarrolló la 6ª edición del Organon y las potencias LM. Ciertamente sabemos por la propia pluma de Hahnemann que estos días fueron los más felices de su vida.
Una mujer de la naturaleza independiente de Melanie no era muy apreciada en este momento. Frente a la tradición, eligió no casarse, sino seguir una carrera. Luego, independientemente rica y no dependiente de un hombre para obtener apoyo financiero, se casó con un extranjero, muchos años mayor que ella. Luego practicó medicina. Una imagen muy poco convencional incluso ahora, y bastante radical para el siglo 19. ¿Cómo se convirtió en la « discípula elegida » del fundador de esta ciencia? ¿Qué influencias formativas la guiaron a esta vida de individualidad e independencia?
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Melanie creció durante la Restauración, y estaba en el centro de los círculos artísticos, políticos e intelectuales de París. Se convirtió en una artista y poeta de cierta reputación en París. Tenía un estudio y enseñaba pintura, pero su salud se vio afectada y tuvo que dejar de pintar. . Después de leer el recientemente traducido Organon en francés, fue a Alemania para encontrar a Hahnemann y curarse. Él le propuso matrimonio tres días después de su reunión, y tres meses después, se casaron.
Hahnemann vivía en ese momento con sus dos hijas en el aislado Ducado de Anhalt-Kothen. Su esposa durante 48 años había fallecido 4 años antes. Debido a los cargos en su contra presentados por los boticarios, la licencia de Hahnemann había sido retirada y no podía practicar la medicina. El duque de Kothen, un compañero masón y paciente, le concedió asilo en su ducado, fuera de la ley alemana.
Los motivos de Melanie para casarse con Hahnemann fueron cuestionados por algunos desde el principio. Hahnemann era 40 años mayor que ella. Ella era una extranjera y recién llegada. Muchos de los estudiantes de homeopatía que seguían las enseñanzas de Hahnemann desde hacía tiempo fueron los más descontentos. Como ella era de una familia respetable y poseía considerables bienes propios, no aceptó nada de él, solo un simple anillo de matrimonio de oro.
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Samuel y Melanie se mudaron a París en 1836. A través de la influencia política de Melanie, pudo obtener permiso para que Hahnemann ejerciera legalmente en Francia. Practicó a su lado, convirtiéndose en la primera mujer homeópata en Europa. Muy diferente del aislamiento que Hahnemann había experimentado en Alemania, su práctica en París atrajo a visitantes de todo el mundo. Melanie estableció una clínica ambulatoria gratuita para los pobres que ella misma cuidaba, por las tardes. Durante el día practicaban juntos, y cuando había visitas a domicilio, eran hechos por Melanie sola.
Hahnemann se enfermó poco después de cumplir 88 años con lo que había sido su « enfermedad habitual de primavera, catarro bronquial ». Falleció el 2 de julio de 1843, a las 5 de la mañana, en su casa de París. Melanie hizo embalsamar a Hahnemann el 3 de julio.
Sin embargo, tras su muerte, el malentendido entre Melanie y la comunidad homeopática se intensificó. El 11 de julio de 1843, fue enterrado en el cementerio de Montmartre. Un pequeño séquito lo acompañó por las calles de París hasta el cementerio. La falta de anuncio público de su entierro se convirtió en un punto doloroso para la comunidad homeopática, y volvió a muchos contra la viuda afligida. Se consideró que Hahnemann había sido privado de la veneración y el tributo que merecía.
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En 1840, la Academia Homeopática de Allentown en Filadelfia, fundada por Hering, le había enviado a Melanie un diploma que Hahnemann le había pedido cuando estaba vivo. El diploma la convertiría en la primera mujer con una licencia para practicar medicina de una escuela de medicina estadounidense. Este título estadounidense fue disputado más tarde ya que la escuela había retrasado el envío del diploma hasta después de su cierre debido a problemas financieros. Aún así, el logro de ser reconocida como una mujer con estatus de médico en este momento fue extraordinario. A saber: Florence Nightingale acababa de nacer, y la era de la emancipación de la mujer aún no había comenzado. No fue hasta una generación más tarde, en 1862, que una mujer francesa recibió un título de médico.
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Después de la muerte de Hahnemann, Melanie continuó practicando como homeópata. Menos de un año después de su muerte, su credibilidad como practicante fue cuestionada. En 1846, se inició una acción contra ella por « practicar la medicina con la asunción de un título de médico sin tener un diploma o certificado válido en Francia. Y… por haber vendido preparaciones medicinales y remedios sin autoridad legal » . Para empeorar las cosas, se presentaron muchos testimonios de pacientes; Fue multada y se le dijo que suspendiera la práctica, lo que ella desobedeció.
Muchos homeópatas conocidos de la época, incluidos Bönninghausen y Jahr, no eran médicos con licencia. Bönninghausen era botánico y Jahr sacerdote. Que no tenían credenciales para practicar la medicina no fue cuestionado. Las leyes que podían ser flexibles para Bönninghausen, Jahr y otros, todavía eran demasiado rígidas para permitir que una mujer practicara la medicina, incluso la « discípula elegida » del propio fundador. Ella había dado un paso demasiado lejos para una mujer en el siglo 19. Melanie tampoco era respetada por la comunidad homeopática francesa. De hecho, ni siquiera se la consideraba colega de la Asociación de Médicos Homeópatas Franceses, y se le pidió que no asistiera a sus reuniones. Después de que se anunció que Madame Hahnemann planeaba asistir a un congreso homeopático en Bruselas en 1856, la Comisión Homeopática Central en París creó y publicó una política en su revista, mencionándola por su nombre y afirmando que uno solo podía ser miembro de su sociedad si tenía un diploma de una universidad reconocida.
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En 1857, Melanie arregló un matrimonio entre su hija adoptiva Sophie y Karl von Bönninghausen, que vino a vivir a París. Los matrimonios arreglados eran comunes en este momento. A través de la influencia política de Melanie, a su yerno, que era médico, se le permitió ejercer legalmente en Francia. Melanie ahora practicaba libremente bajo su licencia, y disfrutaba de un respiro de los ataques contra su estatus legal como practicante. En 1872, unos años antes de su muerte, se le concedió a Melanie Hahnemann una licencia para ejercer la medicina en el departamento del Sena (condado). Melanie practicó hasta 1867, pero en 1869 se detuvo su práctica en su mayor parte. Se vio obligada a vender su casa y vender algunos de sus cuadros, ya que la guerra franco-prusiana la había despojado de su propiedad.
Hahnemann había estado trabajando en la 6ª edición del Organon durante los últimos 18 meses de su vida. Comenzó a usar las potencias LM durante esos años de París, y había escrito a Bönninghausen sobre este nuevo método de dinamización de remedios. Murió antes de que se publicara este trabajo y dejó instrucciones específicas a Melanie sobre esto. Le pidió que esperara hasta que fuera el momento adecuado y que supervisara la publicación personalmente. Muchos homeópatas estaban interesados en el « nuevo y mejorado modo de dinamizar los remedios medicinales » sobre el que Hahnemann había escrito a Bönninghausen, y estaban ansiosos por que Melanie publicara la 6ª edición.
Melanie fue protectora e insistió en hacer las copias ella misma, como Hahnemann había pedido, porque « nadie conocía los nuevos términos empleados por última vez por Hahnemann para el proceso de dinamización.
El rencor hacia ella por parte de la comunidad homeopática iba creciendo debido al retraso en la publicación. Se asumió que sus motivos para la demora eran la codicia y el egoísmo, y que estaba negando intencionalmente el acceso para su propio beneficio financiero. Se sentía que estaba reteniendo una fuente importante para el crecimiento y desarrollo de la comunidad homeopática. Cuando Melanie estaba comenzando con esta gran obra, de repente vino la guerra de 1871, en la cual su propiedad fue destruida, quedándose sin recursos « . Ella pidió que se recaudara dinero, para poder obtener « la tranquilidad necesaria para esta gran obra » mientras renunciaba a las ganancias de la venta del libro.
Melanie habló de su « más sincero deseo de publicar el Organon, que contiene tantos tesoros para la humanidad » y estaba haciendo arreglos para hacer este trabajo, cuando su muerte rompió las negociaciones. Murió el 27 de mayo de 1878, a la edad de 78 años. La causa de la muerte fue catarro pulmonar, del que había sufrido durante varios años. Fue enterrada en el cementerio de Montmartre, a la izquierda de Hahnemann.
El 24 de mayo de 1898, los restos de Samuel Hahnemann y Melanie fueron trasladados al cementerio de Père Lachaise, donde descansan.
La historia ha pasado por alto durante mucho tiempo la contribución de Melanie a la homeopatía. Su influencia en el trabajo de Hahnemann apenas se nota. ¿Dónde habría terminado la homeopatía sin su devoción poco común? ¿Quién sabe la importancia que tuvo su inspiración en el crecimiento y fomento de la homeopatía? ¿Se habría logrado alguna vez el reconocimiento internacional o incluso el logro científico sin los años pasados en París? No podemos saberlo. Sin embargo, podemos ver el valor de una vida dedicada a practicar, preservar, guardar, atesorar y nutrir este arte.
Jill Phipps (15 de enero de 1964, Inglaterra, Reino Unido-1 de febrero de 1995, Baginton, Reino Unido) activista por los derechos de los animales
“Mujeres que luchan por la liberación animal: el caso de Jill Phipp”.
Jill Phipps activista antiespecista asesinada por la industria láctea en una de sus protestas e intentos de boicot, que aunque en ningún momento se refieren a ella como feminista y desconozco si tenía algún tipo de consciencia feminista, era una mujer que subvirtió a los estereotipos junto a otras dos mujeres como fueron su hermana y su madre y puso rostro femenino al activismo animalista, un movimiento en el que la amplia mayoría son mujeres absolutamente desprotegidas y exponiéndose a altas sanciones aún en la actualidad (por ejemplo las que alimentan a gatxs callejerxs) que no son reconocidas porque se entiende como una tarea más de los cuidados, siempre encargada a las mujeres.
Jill Phipps (Biografía)
Esta inglesa nacida el 15 de enero 1964, la conoceremos a través del documental sobre su vida porque a pesar de ser la única fuente documental de la que disponemos en español, en él se entrenza muy bien imágenes de su vida personal y familiar con vídeos con su activismo desde la adolescencia hasta el momento de su atropello y comentados por un compañero activista y su madre, Nancy, también activista, con otra hermana de Jill que estuvieron desde el principio de su militancia hasta su muerte, lo cual nos ayuda a hacer un recorrido preciso por la vida de esta rompedora mujer. Es una fuente que logra el equilibrio cuando proporciona información íntima y objetiva.
Su madre nos cuenta cómo su hija de una manera espontánea siempre fue muy empática con lxs animales, lxs cuidaba y recogía de la calle para evitarles cualquier peligro y ya de adolescente, poco a poco, lxs miembros de la familia se fueron haciendo vegetarianxs hasta que un día al regresar Nancy y su hija Leslie de una manifestación contra la peletería le propusieron acudir a las siguientes actividades y así fue como se hicieron miembros de ALF (Animal Liberation Front) y el activismo animalista formó parte de la cotidianidad de esta familia.
Creció con el punk durante su adolescencia en los ´70 en toda una cultura rupturista y que promovía cambiar el sistema imperante y entre este cambio estaba la abolición del abuso y explotación animal, pretendiendo animar la creación de una cultura en la que al hablar de justicia social se incluyese el respeto por la integridad de lxs animales no humanxs. Durante las décadas de los ´70 y ´80, las prácticas del movimiento animalista consistían en la acción directa como la liberación de animales privados de libertad y el boicot a la actividad especista que se fuese a producir, como ocurría con eventos como la caza, jugándose la vida en muchas ocasiones como ocurrió con Mike Hill, un compañero asesinado por un cazador en un boicot, al cual ella le dedicó todo un artículo, lo que muestra su gran capacidad de gestionar el movimiento y su notoriedad dentro del mismo. A lo largo del documental sobre su vida podemos observar cómo era una pieza destacada del ALF y en la lucha por la liberación animal cuando la vemos en los medios de comunicación participando en entrevistas, artículo, portando las pancartas o siendo ella quien gritaba las proclamas por el altavoz guiando un grupo, a pesar de que su madre y su amigo nunca hacen una mención explícita a su condición de figura destacada porque no era una lideresa, sino una más.
En 1985 tuvo lugar un acontecimiento de gran relevancia tanto a su dimensión personal como a su actividad en el movimiento: fue madre de su único hijo. Tras la maternidad decide reducir su implicación en acciones directas y continuar con otro tipo de activismo como por ejemplo la difusión del antiespecismo y las prácticas cruentas que se les practica a lxs animales en beneficio de lxs humanxs, buscando así la conciliación para el cuidado de su hijo como además evitar represalias legales por su activismo, debido a las acusaciones a las que se enfrentaban tras la acción de protesta en la fábrica de jabón Unilever (Beford) siendo procesadas la propia Jill junto a su madre y hermana Leslie, terminando estas dos últimas en prisión cumpliendo una condena de 6 y 18 meses. Jill Phipp no terminó en la cárcel debido a que durante el proceso judicial estaba embarazada y se paralizó toda acusación por este motivo.
Sin embargo, tras uno de los grandes logros del movimiento por la liberación animal en Inglaterra cuando consiguieron que la exportación de ternerxs vivos a Europa desde el aeropuerto de Beurnemouth se paralizase, en noviembre de 1994 se retoma esta práctica pero en el pueblo natal de nuestra protagonista. Retoma de nuevo el activismo a través de la acción directa en el aeropuerto de Coventry contra la empresa Barret Jolley, en el que cada día acudían un grupo de activistas en el que se encontraban su madre y hermana, llegando a debilitar su propia salud a causa de las condiciones en las que semi-acampaban y al llegar los camiones transportadores corrían hacia ellos con la intención de bloquear el paso, siendo muy característica el bloqueo de Jill, que con los brazos en cruz se plantaba ella sola delante del camión.
El 1 de febrero de 1995, murió debido a la imprudencia del conductor del tráiler que la atropelló cuando ella cayó estando agarrada a la luna frontal del vehículo. Se desconoce si ella resbaló o fue golpeada hasta caer por el propio camionero pero tanto su madre como Leslie Phipp presenciaron lo ocurrido y los intentos fallidos por reanimarla en la ambulancia.
El conductor no reconoció su autoría ni la multinacional que lo contrataba, responsabilizando, una vez más, a una mujer asesinada de su propia muerte no natural y no a quién la provocó, por exponerse, por no callarse, por defender sus creencias y la libertad de otrxs y por supuesto, por avergonzar a una gran empresa que sólo buscaba obtener el máximo lucro económico.
Conclusión
Además de la fundación con su nombre que se creó tras su deceso, el mayor logro fue la reacción de su pueblo y los colindantes, donde la gente de manera espontánea se cohesionó para mostrar su rechazo a la empresa Barret Jolley y las protestas en el aeropuerto donde asesinaron a nuestra protagonista se intensificaron de manera muy significativa, generando una verdadera incidencia política. El punto negativo de esta historia no es más que se necesito llegar a una muerte totalmente innecesaria para lograr el apoyo y movilización social.
Hedwig Bleuler-Waser ( Zúrich ,29 de diciembre de 1869-Zollikon ,1 de febrero de 1940) fue una feminista y sufragista suiza conocida por su compromiso con el movimiento de la templanza .
Hedwig Waser nació en Zúrich en 1869. Era hija de Maria Monhard y de su esposo el comerciante Jakob Heinrich Waser . Estudió literatura e historia en la Universidad de Zurich , donde se doctoró en 1894 .Mientras estaba en la Universidad de Zúrich, estableció amistades duraderas con Marie Baum , Ricarda Huch y Marianne Plehn .
Fue profesora en la escuela secundaria para niñas de Zúrich ( Höhere Mädchenschule ) hasta 1901. Se casó con el psiquiatra Eugen Bleuler , director del Burghölzli , a quien conoció en el movimiento por la templanza en 1901. La pareja tuvo cinco hijos .
Junto con Clara Ragaz , fue cofundadora en 1902 de la Liga Suiza de Mujeres Abstinentes , una organización del movimiento por la templanza . Lo presidió hasta octubre de 1921 .
A partir de 1914, ayudando a Else Züblinpara. participó en la creación de casas de soldados sin alcohol. Durante el invierno de 1917-1918, organizó cursos de formación para mujeres en Zurich en una especie de colegio comunitario con temas relacionados con las mujeres. Además de su trabajo como directora del Centro de Enlace para las Asociaciones de Mujeres de Zurich (1914-1918) dirigió la comisión para el trabajo social-práctico de la Federación de Asociaciones de Mujeres Suizas .
También escribió numerosas obras de historia cultural y literatura ninguna traducida al español.
Dos de sus hijos, Manuel (* 1901) y Fabian (* 1903), continuaron parcialmente y apoyaron su trabajo sobre la templanza .Otro hijo fue el psiquiatra Manfred Bleuler (1903-1994), quien, como su padre, se convirtió en director de Burghölzli. En los años 1914 a 1918
Renata Tebaldi (Pésaro, 1 de febrero de 1922 – San Marino, 19 de diciembre de 2004) fue una célebre soprano italiana.
Su nombre completo era Renata Ersilia Clotilde Tebaldi, fue hija de Giuseppina Barbieri, que a pesar de estar dotada de no poco talento como cantante, vio frustrada su carrera y terminó siendo enfermera y de un violoncelista sin mucho éxito, de nombre Teobaldo Tebaldi que pronto abandonó su familia y madre e hija se trasladaron a vivir a Langhirano, localidad próxima a Parma, lugar de origen de Giuseppina.
A la edad de tres años se vio afectada por la poliomielitis de la que si bien se recuperó considerablemente, le quedó cierta dificultad para andar, lo que le impidió tomar parte en actividades físicas, propias de su edad y por ello se interesó en la música. Formó parte del coro de la iglesia de Langhirano y a los trece años, su madre le hizo recibir clases de piano con la Signorina Pasani, en Parma. Renata trabajó con gran esfuerzo, practicando cuatro o cinco horas diarias, soñando con una carrera como concertista, a la vez que cantaba cuanto llegaba a sus oídos, particularmente a través de la radio. Por ello, su profesora de piano tomó la iniciativa de ponerla en manos del profesor de canto Italo Brancucci, del conservatorio de Parma, donde pronto empezó a recibir lecciones con Ettore Campogalliani, quien la mantuvo practicando escalas y entrenando su voz, antes de permitirle aprender sus primeras canciones, hacia el final del segundo año de su formación como cantante.
Renata fue a pasar las vacaciones de Navidad a Pésaro, con su tío Valentino, hermano de su padre, quien era dueño de un pequeño café donde la que había sido famosa diva, Carmen Melis solía acudir a comprar pasteles. Melis había sido una famosa cantante, prima donna en La Scala, especializada en papeles del verismo, que había sido amiga de Puccini y que había cantado con el propio Caruso y con Titta Ruffo. Tras su período como cantante, daba lecciones de canto en el conservatorio Gioacchino Rossini de Pésaro. Valentino habló de su sobrina con Melis quien finalmente aceptó escucharla al día siguiente.
Durante el resto de sus vacaciones trabajó con Melis y conoció y cantó por primera vez junto a Mario del Mónaco y cuando regresó a Parma, su mejora había sido tal que nadie podía creer que se tratara de la misma voz. Fue en ese momento que Tebaldi tomó la decisión de trasladarse indefinidamente a Pésaro, donde vivió con la familia de su padre y siguió recibiendo clases de Melis, tanto en el conservatorio como privadas.
Tebaldi hizo su primera aparición en público en el teatro de Urbino, cantando el "Ebben Ne andrò lontana" de la ópera La Wally de Alfredo Catalani. A los veintidós años hizo su debut en el teatro de Rovigo, en el papel de Elena, de la ópera Mefistofele de Arrigo Boito. Cantó varias veces más en Parma en La Bohème de Puccini, L'amico Fritz de Mascagni y Andrea Chénier de Umberto Giordano y en 1944 empezó a trabajar en Milán, por mediación de la Melis, con el director y profesor de canto Giuseppe Pais. Tuvo una audición con Guido Gatti, entonces director de La Scala, de la que no obtuvo resultado alguno, en vista de la ausencia de representaciones durante esos años de guerra. Más tarde protagonizó en Trieste, Desdémona en Otello, junto a Francesco Merli, causando una verdadera conmoción.
El auténtico cambio en su carrera le llegó en 1946, cuando entre dudas y miedos, tuvo una audición en Milán, con Arturo Toscanini, recién llegado de Estados Unidos, en busca de jóvenes nuevas voces. En el transcurso de la audición, le dijo que, para el concierto de reapertura de La Scala, tras la Segunda Guerra Mundial, estaba buscando una "voce d'angelo", a lo que Tebaldi contestó: “Cherchero’ di fare del mio meglio, Maestro”. De esta anécdota se derivó la creencia de que Toscanini la llamó la de la “voz de ángel”, lo que Tebaldi negó en cuantas oportunidades tuvo. En ese concierto, cantó La Oración ("Dal tuo stellato soglio") de la ópera Moisés en Egipto de Rossini y la parte de soprano del Te Deum de Verdi.
Posteriormente, en el mismo año, cantó los papeles de Margherita y Elena en Mefistofele y el de Elsa en Lohengrin de Wagner. El siguiente año cantó La Bohème y Eva en Los Maestros Cantores, de Wagner. Toscanini la animó para que cantara el papel de Aida y la invitó para que lo ensayara en su estudio. Tebaldi estaba convencida que ese papel estaba reservado para una soprano dramática, pero fue persuadida por Toscanini y finalmente la cantó en La Scala, en 1950, junto a Mario del Monaco y Fedora Barbieri, bajo la dirección de Antonino Votto. Su actuación fue el mayor éxito de sus primeros años, lanzándola en su carrera.
Entre otros teatros de Italia, cantó en la Ópera de Roma entre 1947 y 1962 y en la Comunale de Florencia, fue la estrella de la Scala de Milán, entre 1946 y 1955 con una reintrée en la temporada 1959-60 y dos últimos recitales en 1974 y 1976. Fue la favorita del San Carlo de Nápoles entre 1948 y 1962, donde volvió a actuar en 1967 con La Gioconda, de Amilcare Ponchielli.
Comenzó con una gira, junto a la compañía de La Scala, actuando en el Festival de Edimburgo y tras ello en Londres, donde debutó en el Covent Garden, cantando el papel de Desdémona en dos representaciones de Otello y una del Réquiem de Verdi, bajo la dirección de Victor de Sabata.
Tras ello, cantó asiduamente en el Metropolitan de Nueva York y también en la Ópera de San Francisco, en la de Chicago y en otros muchos teatros de Estados Unidos. También en Alemania, Londres, París, Viena, Barcelona, Japón y Sudamérica. En 1953 debutó en el Teatro Colón de Buenos Aires con Aida de Verdi junto a Carlo Bergonzi y Ebe Stignani dirigida por Alberto Erede para despedirse luego con Tosca de Puccini junto a Giuseppe Taddei y Carlo Bergonzi.
Si bien se prodigó en papeles melodramáticos de la ópera verista, su repertorio fue muy amplio, incluyendo óperas de Wagner (si bien cantadas en italiano), en los papeles de Eva en Los Maestros Cantores, de Elsa en Lohengrin, y de Isabel en Tannhäuser. El famoso director alemán Karl Böhm le suplicó que aprendiera alemán para así poder tomar parte en su repertorio. Tebaldi también cantó La Pasión según San Mateo de Bach e incluso grabó el papel de Cleopatra de la ópera Julio César de Händel.
Sus compañeros de escena fueron los más grandes cantantes de la época y actuó bajo la dirección de los más notables directores,
Tebaldi hizo su debut en América, en 1950, cantando Aida en la ópera de San Francisco, su debut en el Metropolitan fue el 31 de enero de 1955 en la Desdémona de Otello, junto a Mario del Monaco. Durante los siguientes veinte años, el Metropolitan fue su mayor centro de actividad. En la temporada de 1962/63, Tebaldi convenció a su director, Rudolf Bing, para reponer en escena Adriana Lecouvreur de Cilea, donde ella interpretó la Adriana. Por lo confuso de su texto, sus cortes y sus múltiples dificultades, esta ópera no se había representado desde el principio del siglo. Bing estaba convencido que la reposición constituiría un gran éxito tanto para Tebaldi, como para Franco Corelli, que cantaría el papel de Mauricio. Desgraciadamente, la voz de Tebaldi no estaba en su mejor momento, por lo que alarmada, se tomó un descanso de trece meses, tras los cuales regresó para cantar la Mimí, en La Bohéme, lo que le reportó una gran éxito.
Tebaldi canto más en el Metropolitan que en ningún otro lugar, por la estrecha relación que estableció con su público, que la apodó “Miss Sold Out" (La Señorita no quedan entradas). En total cantó allí alrededor de 270 veces, óperas como La Bohème, Madama Butterfly, Tosca, Manon Lescaut, La Fanciulla del West, Otello, La Forza del Destino, Simón Boccanegra, Falstaff, Andrea Chénier, La Gioconda y el papel de Violetta, en una producción de La Traviata creada especialmente para ella.
Tebaldi permaneció soltera. Al final de su carrera, Tebaldi había cantado en unas 1.262 ocasiones, de las cuales 1.084 fueron en óperas completas y 214 en recitales.
Tebaldi se retiró de los escenarios de ópera el 8 de enero de 1973, cantando en el Metropolitan de Nueva York el papel de Desdémona, es decir el mismo de su debut, dieciocho años antes.
En los tres años siguientes se limitó a cantar en recitales, muy frecuentemente en compañía de Franco Corelli. Cantó por última vez en La Scala en 1976 a la edad de 54 años.
Pasó la mayor parte de sus últimos días en Milán y murió el 19 de diciembre de 2004, a la edad de 82 años en su casa de San Marino, víctima de un cáncer. Su cuerpo descansa en la capilla familiar del cementerio de Mattaleto, en Langhirano, provincia de Parma.
Reconocimientos
Hay un museo dedicado a la memoria de Tebaldi en el Castillo de Torrechiara, cerca de Parma, en donde, se exhiben numerosos objetos que pertenecieron a la cantante, entre otros, cincuenta trajes que usó en escena, incluidos los que crearon para ella Giorgio de Chirico y Christian Dior.
Safo (c. 610-570 a. C.) fue una de las más grandes poetas
líricas de la Antigua Grecia. Nacida en la isla de Lesbos, su poesía abordaba
temas de amor, deseo, naturaleza y relaciones humanas, especialmente desde una
perspectiva profundamente personal e íntima. Es famosa por haber dirigido un
círculo cultural y educativo dedicado a las mujeres jóvenes, donde la música y
la poesía ocupaban un lugar central.
Safo que es un referente para todas las mujeres nos dejo este mensaje : “Os aseguro que alguien se acordará de nosotras en el futuro”
Al ser una figura tan importante se la uso para adoctrinar a todas las mujeres intentando hacer desaparecer su obra
De ella dos hombres como representantes del patriarcado hablaron:
1: Taciano el Sirio, escritor cristiano del siglo II, escribió: Safo era una mujerzuela ninfómana y prostituida que cuenta su propia lujuria
2: El escritor inglés Edward Carpenter usó el término "lesbianism"( que comenzó a aparecer en los diccionarios el siglo XIX ) en su obra "Homogenic Love" de 1894, para describir una forma de amor entre mujeres. Aunque el término existía antes, este uso fue crucial para establecer la relación entre Safo, Lesbos y la homosexualidad femenina.
Pareciera que la patriarcado el fastidiaba que la obra de Safo había sido inmensamente valorada en la Antigüedad,
y se recopiló originalmente en nueve libros de poesía lírica por eruditos de la
Biblioteca de Alejandría. Sin embargo, la mayoría de su obra se perdió con el
tiempo debido a hostilidad religiosa. Durante la época del cristianismo
primitivo, Safo fue asociada con el erotismo y el amor entre mujeres, lo que
provocó su condena por ser considerada inmoral. Muchas de sus obras pudieron
haber sido destruidas deliberadamente por las autoridades eclesiásticas (se habla de que los 9 libros de Safo fueron quemados por orden del Papa Gregorio VII (1073-1085) )
Se sumaron en la desaparición de su obra el descuido y falta de reproducción de autores considerados menos relevantes en el
contexto patriarcal dominante. También la destrucción de bibliotecas como la
de Alejandría contribuyó a la pérdida de numerosos textos antiguos,
incluida gran parte de la obra de Safo.
Aunque la mayoría de su obra está perdida, nuestra
comprensión de Safo proviene de varias fuentes:
Fragmentos de papiros: Hallazgos arqueológicos han rescatado
partes de sus poemas, especialmente en Egipto, donde los papiros solían
reutilizarse para envolver momias o como material de escritura.
Citas en autores antiguos: Poetas y críticos literarios como
Alceo, Sócrates, Longino y especialmente el gramático Dionisio de Halicarnaso
citaron fragmentos de su poesía en sus propios textos, ayudando a preservar
parte de su obra.
Transmisión medieval: Algunos fragmentos llegaron a nosotros
a través de códices medievales, aunque estos son escasos.
El siglo XXI ha sido testigo de descubrimientos
significativos de textos de Safo gracias a la arqueología y la tecnología
moderna. Algunos de los hallazgos más destacados incluyen el Papiro de Colonia (2004), Fragmentos "de los hermanos" (2014) Y el Papiro de Oxirrinco
A pesar de la fragmentación de su obra, Safo ha influido
profundamente en la literatura occidental. Su estilo lírico, su capacidad para
expresar emociones universales y su enfoque en las relaciones humanas la
convierten en una figura atemporal. Cada nuevo descubrimiento en papiros
arqueológicos refuerza su lugar como una de las poetas más importantes y
misteriosas de la historia.
Safo es
ampliamente reconocida como nativa de Mitilene, una de las principales ciudades
de Lesbos, isla ubicada en el mar Egeo, y su conexión con esta región es
central para su identidad literaria y cultural. Safo estuvo profundamente arraigada en la
tradición lírica eólica, una forma poética desarrollada en Lesbos y la región
circundante.
Es interesante subrayar que al referirse a Safo como la décima musa, Platón no solo la
colocaba entre las figuras divinas que inspiraban las artes, sino que también
reconocía su contribución como algo extraordinario y único en la cultura
griega. Esto refleja cómo la sociedad de la época (al menos ciertos círculos
intelectuales) valoraba el poder de su poesía para capturar lo sublime en lo
humano.
El centro de enseñanza que dirigía Safo en la isla de Lesbos
puede definirse como una escuela cultural y poética dedicada a la educación de
mujeres jóvenes, en la cual se cultivaban las artes, especialmente la poesía,
la música y el canto. Este tipo de institución no tenía un equivalente exacto
en la estructura educativa moderna, pero podemos entenderla como un lugar donde
se transmitían conocimientos artísticos y culturales, además de valores
asociados a la vida social y emocional. A safo se le asocia la capacidad de componer música e incluso de haber creado un instrumento musical
La asociación de Safo con el lesbianismo ha sido interpretado de diversas maneras a lo largo de la historia. Si bien
su poesía expresa un afecto profundo por las mujeres, es importante
contextualizarla dentro de las normas culturales y poéticas de la Antigua
Grecia, donde las emociones y relaciones íntimas entre personas del mismo
género eran vistas de manera distinta a como se entienden hoy.
La poesía lírica, especialmente la de Safo, era
profundamente personal y a menudo expresaba emociones intensas sin que esto
implicara una relación romántica o sexual en el sentido moderno.
Durante el Renacimiento y los siglos posteriores, su poesía
fue reinterpretada bajo una mirada más sexualizada, influenciada por los
prejuicios y obsesiones de cada época.
Según las fuentes antiguas, Safo estuvo casada con un hombre
llamado Cercilas y tuvo una hija, Cleis, a quien menciona con ternura en su
poesía.
Esto sugiere que su vida no puede reducirse a una única
orientación o identidad sexual, al menos según los estándares modernos.
"Tengo una niña, preciosa como el oro,
a quien llamé Cleis,
y no la cambiaría por toda Lidia* ni por amores…"
Safo es un símbolo de amor y belleza que
desafía categorizaciones simples. Reconocer la profundidad de su poesía y la
riqueza de sus relaciones emocionales nos permite apreciarla más allá de
cualquier etiqueta o interpretación reduccionista.
En este otro poema, Safo suplica a Afrodita que le ayude en
asuntos amorosos. Aunque el género de la persona amada no se especifica, hay claves en el poema que sugieren que se refiere a una relación heterosexual.
"Diosa inmortal, Afrodita de espléndido trono,
hija de Zeus, te ruego: no domines con angustias,
Señora, mi corazón,
sino ven aquí…"
Algunos de sus poemas hablan de bodas y celebraciones
maritales, en las que la unión era predominantemente entre hombres y mujeres en
su contexto cultural. Ejemplo:
"Al esposo más alto que el hombre más alto le comparo,
como los dioses me parece…"
Safo era muy respetada en su isla
y en otras partes del mundo griego, pero su estilo y su enfoque en la educación
femenina la alejaban de los círculos literarios y políticos dominados por
hombres en Atenas.
Aunque Atenas tenía figuras femeninas destacadas, como la
filósofa Aspasia, esposa de Pericles, estas mujeres a menudo se enfrentaban a
grandes dificultades para ser tomadas en serio o aceptadas. En gran medida, las
mujeres como Aspasia y Safo eran vistas con cierta desconfianza y a veces con
hostilidad, porque desafiaban las normas de la época sobre la sumisión
femenina.
A lo largo de la historia, varias y varios escritores y poetas han
citado y ensalzado la figura de Safo, reconociendo su talento poético y su
influencia. :
1. Platón (c. 428–348 a.C.)
Platón, hizo varias menciones a Safo en sus diálogos, y le otorgó el título de
"décima musa" debido a su gran talento poético. Esta expresión es un
claro reconocimiento a la importancia de su obra en el mundo de las artes.
En su diálogo "El Banquete", Platón describe a
Safo como una de las figuras más destacadas de la poesía lírica. Incluso la
menciona como una referencia en cuanto a la belleza y el amor, y la compara con
los poetas épicos.
2. Aristóteles (384–322 a.C.)
Aristóteles en su obra "Poética", menciona la
importancia de la poesía lírica y señala a Safo como una de las grandes
maestras de esta forma literaria. Aunque no siempre la ensalzó directamente, su
inclusión en los debates sobre la poesía demuestra la relevancia de Safo en su
tiempo.
3. Horacio (65–8 a.C.)
El poeta romano Horacio, que admiraba profundamente la
poesía griega, citó a Safo en su obra "Epístolas". En su poema
"Epístola a los Pisones" (conocida también como "Ars
Poetica"), Horacio elogia la simplicidad y la belleza de la poesía lírica
de Safo, destacando su capacidad para expresar el deseo y la emoción con gran
delicadeza.
4. Virgilio (70–19 a.C.)
Virgilio, otro de los grandes poetas romanos, fue influenciado por la poesía lírica griega, y aunque no la menciona explícitamente en sus obras, la referencia a los poetas griegos como Safo está implícita en su obra "Las Geórgicas". En este sentido, Safo es parte de la tradición poética que Virgilio respeta y sigue.
5. Ovidio (43 a.C.–17/18 d.C.)
El poeta romano Ovidio, conocido por sus obras como
"Las Metamorfosis", también expresó admiración por Safo en sus
escritos. En su "Remedios de amor", Ovidio menciona a Safo como una
de las figuras clave en la poesía amorosa, sugiriendo que su forma de tratar
los temas del amor fue una influencia importante para poetas posteriores.
6. Boccaccio( 1313- 1375) escribe: "Safo, poetisa de Grecia, fue la primera en elevar el talento poético femenino a la fama. Sus obras son prueba de su intelecto sublime, y se dice que instruyó a muchas mujeres en las artes y letras.
7. Christine de Pizan (1364-1431 ) : "Safo era una mujer de extraordinaria inteligencia, una poeta incomparable, cuyo talento fue reconocido incluso por los hombres más eruditos de su tiempo. Su obra sigue siendo un testimonio de lo que las mujeres son capaces de lograr cuando se les permite desarrollar su potencial."
8. Ronsard (1524–1585) (movimiento literario renacentista) se sintió profundamente influenciado por Safo y la mencionó en varias ocasiones. En su obra "Odas", Ronsard celebró a Safo como una de las grandes poetas y la incluyó en su obra dentro del contexto de la poesía amorosa. Para Ronsard, Safo era una de las figuras más importantes de la lírica clásica.
9. Gertrudis Gómez de Avellaneda ( 1814 - 1873) dedica a Safo una estampa literaria en su serie Galería de mujeres ilustres
10. Carolina Coronado ( 1820-1911) en sus Cantos de Safo recuperar su memoria
11.Rogelia León (1828 –1870)la cita en un poema en que el yo lírico es Safo lamentándose de la predilección que los hombres muestran hacia las mujeres bellas y sin talento.
12-María Rosa Gálvez escribió una tragedia en que recreaba los últimos momentos de la poeta antes de su suicidio siguiendo la falsa recreación que Virgilio hizo sobre su personaje
12. En la poesía contemporánea oetas como Adrienne Rich (1929 - 2012) , han mencionado y reivindicado la obra de Safo, colocándola como un referente esencial en la literatura sobre el amor, la identidad y el deseo. La poeta española Aurora Luque, estudiosa del mundo griego nos ayuda desde el video que acompañamos a conocer mejor a Safo
A Safo también se le atribuye tres aportaciones musicales: el plectro (una pieza pequeña, triangular y firme con la que tocar la lira, haciendo la función de púa); el péctide (un tipo particular de lira) y el tono mixolidio (una escala tonal de estilo exaltado)
*Lidia, lugar conocido por su riqueza y su cultura, especialmente por su conexión con la poesía y el arte en la Antigua Grecia
Papiro de Colonia (2004): Este hallazgo contenía fragmentos que completaron un poema previamente conocido y aportaron líneas nuevas, proporcionando un contexto más rico sobre sus temas.
Fragmentos "de los hermanos" (2014): Descubiertos en un papiro que había sido utilizado como envoltorio de una momia, estos fragmentos son especialmente valiosos porque mencionan a los hermanos de Safo, Caraxo y Larico, aportando posibles detalles sobre su vida personal.
Papiro de Oxirrinco: Este yacimiento en Egipto sigue siendo una fuente crucial para el hallazgo de textos antiguos. Algunos fragmentos de Safo se han encontrado aquí, aunque están incompletos.
Christina Agnes Lilian Foyle (30 de enero de 1911 - 8 de junio de 1999) fue una librera inglesa y propietaria de la librería Foyles .
Miss Foyle (como le gustaba que la llamaran) nació en Londres, hija de William Foyle , un destacado librero, propietario de Foyles, en Charing Cross Road , en el West End de Londres . La tienda fue fundada en 1904 por William y su hermano Gilbert Foyle.
A la edad de diecisiete años, después de terminar us estudios en una escuela suiza, Christina Foyle comenzó a trabajar en la librería de su padre y nunca la abandonó. Ella fue la única de los tres hijos de Foyle que se desarrollo dentro de la actividad.
En 1930, cuando tenía diecinueve años, Foyle creó el primer almuerzo literario público del mundo, que reunía a escritores notables y otras figuras distinguidas. La idea se le ocurrió hablando con Kipling , Shaw , HG Wells y otros escritores mientras compraban libros, y pensando que otros podrían disfrutar de esa oportunidad. También fue la continuación de las conferencias literarias, iniciadas por su padre, que tuvieron menos éxito.
En una ocasión, Foyle recomendó The Forsyte Saga a un cliente anciano que buscaba algo para leer en el tren. Compró una copia, pero se la devolvió poco tiempo después con las palabras "Para la joven a la que le gustó mi libro: John Galsworthy ".
Durante casi setenta años, Christina Foyle presidió los almuerzos literarios de Foyles. Por lo general, tenían lugar en el Dorchester o en el Grosvenor House Hotel , y normalmente un orador invitado que podia incluir a Bertrand Russell o Margaret Thatcher hablaba en alabanza de un libro, así como del autor.
En mayo de 1936 se creó el Club de Lectura de Izquierda y, hacia finales de 1936, un grupo de “neoconservadores” propuso la creación de un club de lectura de derecha. William y Christina Foyle se comprometieron a organizarlo, y el Right Book Club se inauguró en un almuerzo en el Grosvenor House Hotel en abril de 1937, presidido por Lord Stonehaven , el presidente recientemente retirado del Partido Conservador . The Right Book Club volvió a publicar títulos con temas conservadores y liberales clásicos .
En 1945, el control de la tienda pasó a sus manos Fue bajo su mandato que la tienda se estancó. Se resistió a la sindicalización del personal de la librería .Se negó a instalar cajas registradoras electrónicas o calculadoras, y los pedidos no se tomaban por teléfono.
La tienda operaba un sistema de pago que requería que los clientes hicieran cola tres veces. Había una disposición de estanterías que categorizaba los libros por editorial, en lugar de por tema o autor.
Foyle conoció a muchas figuras literarias y políticas destacadas durante su vida. Su colección de correspondencia personal incluía una carta de Adolf Hitler , en respuesta a su denuncia sobre la quema de libros nazi . Entre sus amigos literarios se encontraban Kingsley Amis , Charles de Gaulle , DH Lawrence , Yehudi Menuhin , JB Priestley , George Bernard Shaw , Margaret Thatcher , Evelyn Waugh y HG Wells .
Según los términos de su testamento La Fundación Foyle se estableció en 2001 . Concede subvenciones a otras organizaciones benéficas del Reino Unido, principalmente en los campos de las artes y el aprendizaje (hasta 2009, también la salud). Las cuentas de 2010 mostraron fondos por más de £76 millones. Entre otras subvenciones, hizo una gran donación para la compra del libro europeo intacto más antiguo, el Evangelio de San Cuthbert , para la Biblioteca Británica en 2011/12.
Olga Nawoja Tokarczuk (Sulechów, Polonia, 29 de enero de 1962) es una escritora y ensayista polaca, autora de adaptaciones escénicas, poeta y psicóloga. Ganadora del Premio Literario Nike de literatura polaca y del Premio Nobel de Literatura de 2018 anunciado el 10 de octubre de 2019.
Olga Tokarczuk nació en Sulechów, al oeste de Polonia. Es hija de Wanda Słabowska y Józef Tokarczuk, ambos maestros. Pasó sus primeros 10 años en Klenica y posteriormente se mudó con su familia a Kiertz. Graduada en psicología por la Universidad de Varsovia en 1985, durante sus estudios trabajó como voluntaria en la atención de enfermos mentales. Tras graduarse, trabajó como psicoterapeuta en la clínica de salud mental de Walbrzych. En el momento en que sus primeras obras literarias se popularizaron, dejó este trabajo y se mudó a Nowa Ruda para dedicarse a escribir. Actualmente divide su tiempo entre Breslavia y Krajanów, cerca de Nowa Ruda, en los Sudetes El paisaje y la cultura de esta región se reflejan en varias de sus obras literarias. Imparte talleres de prosa en los estudios de Artes Literarias de la Universidad Jaguelónica de Cracovia.
Colabora en la organización del Festival Opowiadania (festival de relatos), en el cual autores polacos y del resto del mundo presentan sus obras. Desde el año 2008, imparte clases de escritura creativa en la Universidad de Opole. Olga Tokarczuk también es miembro del partido Los Verdes desde 2004.
Tokarczuk estuvo casada con Roman Fingas, con quien tuvo a su hijo Zbigniew en 1986. Grzegorz Zygadło es su segundo esposo.
Tokarczuk encuentra su inspiración, entre otros, en Carl Gustav Jung, en la lectura de Antón Chéjov, Thomas Mann, Nikolái Gógol y en las historias fantásticas de Edgar Allan Poe.
Debutó en 1979 en la revista juvenil Na przełaj, donde bajo el pseudónimo de Natasza Borodin publicó sus primeras historias.
Como novelista debutó en 1993, con la publicación de El viaje de los hombres del Libro (Podróż ludzi Księgi). El libro recibió el Premio de la Asociación Polaca de Editores de Libros.
En 1995 apareció su segunda novela, E. E, que cuenta la historia de una chica que de repente adquiere habilidades parapsicológicas y las pierde de igual modo súbitamente.
En 1996 publicó la novela En un lugar llamado antaño (Prawiek i inne czasy), libro que fue seleccionado para el Premio Literario Nike en 1997 y que ganó el Premio del Público de dicho certamen.
En 1998 publicó una colección de historias reunidas en un volumen, El ropero (Szafa), así como otra novela titulada Casa diurna, casa nocturna (Dom dzienny, dom nocny), segunda obra de Tokarczuk que fue nominada al prestigioso Premio Literario Nike.
En el 2000 publicó el libro La muñeca y la perla (Lalka i perła), ensayo sobre la novela La muñeca (Lalka) de Bolesław Prus.
La obra de diecinueve relatos cortos Concierto de varios tambores (Gra na wielu bębenkach), publicada en 2001, también compitió por el Premio Literario Nike. Dos de los relatos de este libro fueron adaptados al cine: Żurek, por Ryszard Brylski en 2003; y Ariadna en Naxos por Agnieszka Smoczyńska en 2007, bajo el título Aria Diva.
En 2004 publicó Ostatnie historie (Historias últimas), donde presenta la historia de Polonia y Ucrania a través de las experiencias de tres mujeres de la misma familia: abuela, madre e hija.
En 2006 publicó el libro Anna Inn en los sepulcros del mundo (Anna Inn w grobowcach świata), novela basada en la mitología sumeria, como parte del proyecto Canongate Myth Series.
En la primera mitad de octubre de 2007 apareció la novela Bieguni (Los errantes). Tokarczuk, que trabajó en ella tres años, señala que la mayoría de las notas las tomó estando de viaje. En la introducción escribe: «no es un libro de viajes. No se describen monumentos ni lugares. No es un diario de viaje ni un reportaje. Pretendo mirar más allá de lo que significa viajar, moverse, desplazarse. ¿Qué tiene sentido? ¿Qué nos aporta? Qué significa.» Como ella misma dice, "escribir novelas es como contarse cuentos uno mismo en la madurez, como hacen los niños antes de dormir, que utilizan el lenguaje que se encuentra en la frontera entre el sueño y la conciencia, describiendo y creando". El 5 de octubre de 2008 recibió el Premio Literario Nike.
En 2009 se publicó su novela titulada en español Sobre los huesos de los muertos (Prowadź swój pług przez kości umarłych). Es un libro basado en un esquema de la novela negra que sirve a Tokarczuk, como siempre, para presentar la complejidad del mundo y entorno humano. Los acontecimientos pasan en un lugar olvidado entre las montañas (Kotlina Kłodzka, donde vive la escritora), en el que ocurren una serie de muertes. La narradora de la historia, una mujer mayor, poco atractiva para protagonizar una novela contemporánea, cuenta las muertes violentas y las explica como una venganza de los animales salvajes frente a quienes los matan: los cazadores. El misterio de los crímenes se resuelve al final.
En la novela está presente el tema tanto de la responsabilidad como de la irresponsabilidad humana frente al mundo de la naturaleza.
El libro fue criticado por el radicalismo ecologista que representa la protagonista y narradora, aunque no hay motivos para interpretar esta voz como la de la autora misma.
Sin embargo, se presenta al lector el tema del radicalismo y la mitología personal y a dónde pueden llevarle a uno, aunque basándose en las buenas intenciones. La novela abunda en citas de William Blake. El libro fue adaptado al cine por Agnieszka Holland y Katarzyna Adamik en 2017 bajo el título Pokot (en español El rastro).
En 2018 se convirtió en la primera escritora polaca en recibir el premio Man Booker International por su novela Los errantes, que había sido traducida al inglés por Jennifer Croft.
En octubre de 2019, la Academia Sueca anunció que el premio Nobel de Literatura de 2018, que no había podido ser otorgado en su año por cuestiones internas, recaía en Tokarczuk.
En 2019, Tokarczuk estableció la fundación que lleva su nombre con el objetivo de organizar una amplia variedad de actividades relacionadas con la literatura, como programas educativos, concursos literarios y becas para escritores jóvenes. El Consejo de la fundación está encabezada por Olga Tokarczuk, la directora de cine y TV Agnieszka Holland, el artista Irek Grin y el hijo de Tokarczuk, Zbyszko Fingas. Su esposo Grzegorz Zygadło es parte de la Junta.
Obra publicada
Olga Tokarczuk, Cracovia (Polonia), 2005
La ciudad en los espejos (Miasto w lustrach) (1989) - poemario.
El viaje de los hombres del Libro (Podróż ludzi Księgi) (1993).
E. E. (1995)
Un lugar llamado antaño (Prawiek i inne czasy) (1996).
El ropero (Szafa) (1997).
Casa diurna, casa nocturna (Dom dzienny, dom nocny) (1998).
Relatos navideños (Opowieści wigilijne) (2000) - junto con Jerzy Pilch y Andrzej Stasiuk.
La muñeca y la perla (Lalka i perła) (2000).
Concierto de varios tambores (Grę na wielu bębenkach) (2001).
Historias últimas (Ostatnie historie) (2004).
Anna In en los sepulcros del mundo (Anna In w grobowcach świata) (2006).
Los errantes (Bieguni) (2007)
Sobre los huesos de los muertos (Prowadź swój pług przez kości umarłych) (2009).
El momento del oso (Moment niedźwiedzia) (2012), ensayos precedidos de un prólogo de Kinga Dunin.
Los libros de Jacob (Księgi Jakubowe) (2014), novela histórica
Premio de la Asociación Polaca de Editores de Libros (Polskie Towarzystwo Wydawców Książek) (1993).
Premio Literario de la Fundación Kościelski (1997).
Premio Literario Vilenica, otorgado a escritores de Europa Central (2013).
Premio Literario Nike por las novelas Los Errantes (2008) Los libros de Jacob (2015)416.
Premio Nike de la Audiencia por Un lugar llamado antaño (1997), Casa diurna, casa nocturna (1999), Concierto de varios tambores (2002), Los errantes (2008) y Los libros de Jacob (2015)4.
El Premio Paszport Polityki.
El Premio Booker (The Man Booker International Prize) por el libro Los errantes (Bieguni) (2018).
Premio Nobel de Literatura de 2018 (anunciado en 2019).
Doctorado Honoris Cause por la Universidad de Breslavia (2021)
Doctorado honoris causa por la Universidad de Varsovia (2022)
Doctorado honoris causa por la Universidad Jaguielónica de Cracovia (2022)
Marta Hegemann (Düsseldorf, 14 de febrero de 1894 - Colonia, 28 de enero de 1970) fue una artista alemana, casada con el también pintor Anton Räderscheidt (1892 – 1970). Ambos se enmarcan en el estilo expresionista de la Nueva Objetividad.
Angelika Hoerle artista dadaista estaba fascinada con su actividad artística.
Hegemann fue una destacada artista de la vanguardia de Colonia durante los años veinte. Practicaba su propia mezcla de realismo mágico. Una selección de su obra está expuesta en el Museo Ludwig de Colonia. Su esposo pintó, a lo largo de esta década, a parejas solitarias, posando estiradas, normalmente con los rasgos suyos y de Marta.
Traducimos un escrito sobre ella que nos ayuda a conocerla :
Sobre la obra de la pintora Marta Hegemann 1919-1936
Cuando en 1918, a la edad de 24 años, Marta Hegemann decidió dedicarse a la vida como artista independiente, ya había completado su formación como profesora de dibujo y deportes en la Escuela de Artes Aplicadas de Colonia y en la Academia de Arte de Düsseldorf. Ese mismo año se casó con el amigo pintor de Colonia Anton Räderscheidt, con quien permaneció conectada durante casi veinte años como una comunidad viva y artística. Décadas que, a pesar de intensas tensiones personales, resultaron sumamente estimulantes para ambos, especialmente en el aspecto artístico.
Incluso en su vejez, a Hegemann todavía le gustaba recordar la primera vez que trabajaron juntos durante los años revolucionarios y de posguerra, existencialmente difíciles pero artísticamente creativos, y escribe en sus recuerdos: “Durante ese tiempo teníamos frío, teníamos hambre. Celebrábamos, pero sobre todo mirábamos. Y esta búsqueda fue increíblemente estimulante” (citado de: Michael Euler-Schmidt (ed.) Marta Hegemann-Leben und Werk, exposición cat. Kölnisches Stadtmuseum, Colonia 1990, p.73ff).
Los amigos del arte de Colonia Angelika y Heinrich Hoerle, Carlo Mense, F.W. Seivert y Wilhelm Fick se conocieron en el estudio de Hegemann y durante un breve período formaron el grupo de artistas de inspiración dadaísta “stupid”. Max Ernst les dio a conocer la revista “Valori plastici”, se inspiraron en “pittura metaphysica” y las imágenes surrealistas también se abrieron paso en la obra de Marta Hegemann.
Su pintura es el lugar para su debate muy personal y políticamente entendido como mujer en una sociedad patriarcal. Con esta comprensión, desarrolla un lenguaje visual individual cuyos signos y símbolos con los que rodea sus figuras predominantemente femeninas todavía plantean enigmas. Externamente, sus figuras femeninas se asemejan a la imagen de la “Mujer Nueva” difundida en la década de 1920, que oscila entre el cliché mediático de masas y la autoimagen emancipadora de la mujer que aparece por primera vez en público. Marta Hegemann busca rodear la intersección de la autodeterminación y la determinación externa y en el curso de su trabajo inventa diseños cada vez más forzados para la autoliberación.
Los objetos que aparecen una y otra vez: libro, lámpara, paraguas, cafetera, torre de iglesia, velero, gatos y criaturas voladoras determinan el entorno de la mujer, su encarcelamiento y sus intentos de escapar y desarrollarse. Utiliza repetidamente estos símbolos para problematizar su papel como ama de casa y madre. La artista independiente exige la igualdad de derechos que le niegan en su rol tradicional.
Desde mediados de 1925 participó en numerosas exposiciones y se convirtió en una artista muy conocida en Renania. Después de la entrega del poder a los nacionalsocialistas en 1933, Hegemann intentó encontrar un nuevo entorno de vida en Italia, Suiza y Francia. Pero la separación se produce.
En 1937, sus fotografías que se encontraban en el museo fueron retiradas y destruidas por ser “degeneradas” . Marta Hegemann sobrevive a las dificultades económicas y a los constantes cambios de vivienda, pero pierde la mayor parte de su trabajo, también debido a los bombardeos.
Después de 1946 volvió a trabajar artísticamente, pudo sobrevivir con el trabajo artesanal y en 1958 se instaló de nuevo en Colonia allí hasta su muerte en 1970.. Su última obra se creó
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