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viernes, 31 de enero de 2025

Safo la poeta presente 2600 años tras su muerte

 


Safo (c. 610-570 a. C.) fue una de las más grandes poetas líricas de la Antigua Grecia. Nacida en la isla de Lesbos, su poesía abordaba temas de amor, deseo, naturaleza y relaciones humanas, especialmente desde una perspectiva profundamente personal e íntima. Es famosa por haber dirigido un círculo cultural y educativo dedicado a las mujeres jóvenes, donde la música y la poesía ocupaban un lugar central.

Safo  que es un referente para todas las mujeres nos dejo este mensaje : “Os aseguro que alguien se acordará de nosotras en el futuro”

Al ser una figura tan importante se la uso para adoctrinar a todas las mujeres intentando hacer desaparecer su obra 

 De ella dos hombres como representantes del patriarcado hablaron:


1: Taciano el Sirio, escritor cristiano del siglo II, escribió: Safo era una mujerzuela ninfómana y prostituida que cuenta su propia lujuria

2: El escritor inglés Edward Carpenter usó el término "lesbianism"( que comenzó a aparecer en los diccionarios el siglo XIX ) en su obra "Homogenic Love" de 1894, para describir una forma de amor entre mujeres. Aunque el término existía antes, este uso fue crucial para establecer la relación entre Safo, Lesbos y la homosexualidad femenina.


Pareciera que la patriarcado el fastidiaba que la obra de Safo había sido inmensamente valorada en la Antigüedad, y se recopiló originalmente en nueve libros de poesía lírica por eruditos de la Biblioteca de Alejandría. Sin embargo, la mayoría de su obra se perdió con el tiempo debido a hostilidad religiosa. Durante la época del cristianismo primitivo, Safo fue asociada con el erotismo y el amor entre mujeres, lo que provocó su condena por ser considerada inmoral. Muchas de sus obras pudieron haber sido destruidas deliberadamente por las autoridades eclesiásticas (se habla de  que los  9 libros de Safo fueron quemados por orden del Papa Gregorio VII (1073-1085) )

 Se sumaron en la desaparición de su obra el descuido y falta de reproducción de autores considerados menos relevantes en el contexto patriarcal dominante. También la destrucción de bibliotecas como la de Alejandría  contribuyó a la pérdida de numerosos textos antiguos, incluida gran parte de la obra de Safo.

Aunque la mayoría de su obra está perdida, nuestra comprensión de Safo proviene de varias fuentes:

Fragmentos de papiros: Hallazgos arqueológicos han rescatado partes de sus poemas, especialmente en Egipto, donde los papiros solían reutilizarse para envolver momias o como material de escritura.

Citas en autores antiguos: Poetas y críticos literarios como Alceo, Sócrates, Longino y especialmente el gramático Dionisio de Halicarnaso citaron fragmentos de su poesía en sus propios textos, ayudando a preservar parte de su obra.

Transmisión medieval: Algunos fragmentos llegaron a nosotros a través de códices medievales, aunque estos son escasos.

El siglo XXI ha sido testigo de descubrimientos significativos de textos de Safo gracias a la arqueología y la tecnología moderna. Algunos de los hallazgos más destacados incluyen el Papiro de Colonia (2004), Fragmentos "de los hermanos" (2014) Y el  Papiro de Oxirrinco

A pesar de la fragmentación de su obra, Safo ha influido profundamente en la literatura occidental. Su estilo lírico, su capacidad para expresar emociones universales y su enfoque en las relaciones humanas la convierten en una figura atemporal. Cada nuevo descubrimiento en papiros arqueológicos refuerza su lugar como una de las poetas más importantes y misteriosas de la historia.

 Safo es ampliamente reconocida como nativa de Mitilene, una de las principales ciudades de Lesbos, isla ubicada en el mar Egeo, y su conexión con esta región es central para su identidad literaria y cultural. Safo estuvo profundamente arraigada en la tradición lírica eólica, una forma poética desarrollada en Lesbos y la región circundante.



 Es interesante subrayar que al referirse a Safo como la décima musa, Platón no solo la colocaba entre las figuras divinas que inspiraban las artes, sino que también reconocía su contribución como algo extraordinario y único en la cultura griega. Esto refleja cómo la sociedad de la época (al menos ciertos círculos intelectuales) valoraba el poder de su poesía para capturar lo sublime en lo humano.


El centro de enseñanza que dirigía Safo en la isla de Lesbos puede definirse como una escuela cultural y poética dedicada a la educación de mujeres jóvenes, en la cual se cultivaban las artes, especialmente la poesía, la música y el canto. Este tipo de institución no tenía un equivalente exacto en la estructura educativa moderna, pero podemos entenderla como un lugar donde se transmitían conocimientos artísticos y culturales, además de valores asociados a la vida social y emocional. A safo se le asocia la capacidad de componer música e incluso de haber creado un instrumento musical 

La asociación de Safo con el lesbianismo  ha sido interpretado de diversas maneras a lo largo de la historia. Si bien su poesía expresa un afecto profundo por las mujeres, es importante contextualizarla dentro de las normas culturales y poéticas de la Antigua Grecia, donde las emociones y relaciones íntimas entre personas del mismo género eran vistas de manera distinta a como se entienden hoy.

La poesía lírica, especialmente la de Safo, era profundamente personal y a menudo expresaba emociones intensas sin que esto implicara una relación romántica o sexual en el sentido moderno.

Durante el Renacimiento y los siglos posteriores, su poesía fue reinterpretada bajo una mirada más sexualizada, influenciada por los prejuicios y obsesiones de cada época.

Según las fuentes antiguas, Safo estuvo casada con un hombre llamado Cercilas y tuvo una hija, Cleis, a quien menciona con ternura en su poesía.

Esto sugiere que su vida no puede reducirse a una única orientación o identidad sexual, al menos según los estándares modernos.

"Tengo una niña, preciosa como el oro,

a quien llamé Cleis,

y no la cambiaría por toda Lidia* ni por amores…"

 Safo es un símbolo de amor y belleza que desafía categorizaciones simples. Reconocer la profundidad de su poesía y la riqueza de sus relaciones emocionales nos permite apreciarla más allá de cualquier etiqueta o interpretación reduccionista.

En este  otro poema, Safo suplica a Afrodita que le ayude en asuntos amorosos. Aunque el género de la persona amada no se especifica, hay claves en el poema  que sugieren  que se refiere a una relación heterosexual.

"Diosa inmortal, Afrodita de espléndido trono,

hija de Zeus, te ruego: no domines con angustias,

Señora, mi corazón,

sino ven aquí…"

Algunos de sus poemas hablan de bodas y celebraciones maritales, en las que la unión era predominantemente entre hombres y mujeres en su contexto cultural. Ejemplo:

"Al esposo más alto que el hombre más alto le comparo,

como los dioses me parece…"


 Safo era muy respetada en su isla y en otras partes del mundo griego, pero su estilo y su enfoque en la educación femenina la alejaban de los círculos literarios y políticos dominados por hombres en Atenas.


Aunque Atenas tenía figuras femeninas destacadas, como la filósofa Aspasia, esposa de Pericles, estas mujeres a menudo se enfrentaban a grandes dificultades para ser tomadas en serio o aceptadas. En gran medida, las mujeres como Aspasia y Safo eran vistas con cierta desconfianza y a veces con hostilidad, porque desafiaban las normas de la época sobre la sumisión femenina.

A lo largo de la historia,  varias y varios escritores y poetas han citado y ensalzado la figura de Safo, reconociendo su talento poético y su influencia. :

 

1. Platón (c. 428–348 a.C.)

Platón, hizo varias menciones a Safo en sus diálogos, y le otorgó el título de "décima musa" debido a su gran talento poético. Esta expresión es un claro reconocimiento a la importancia de su obra en el mundo de las artes.

En su diálogo "El Banquete", Platón describe a Safo como una de las figuras más destacadas de la poesía lírica. Incluso la menciona como una referencia en cuanto a la belleza y el amor, y la compara con los poetas épicos.

2. Aristóteles (384–322 a.C.)

Aristóteles en su obra "Poética",  menciona la importancia de la poesía lírica y señala a Safo como una de las grandes maestras de esta forma literaria. Aunque no siempre la ensalzó directamente, su inclusión en los debates sobre la poesía demuestra la relevancia de Safo en su tiempo.

3. Horacio (65–8 a.C.)

El poeta romano Horacio, que admiraba profundamente la poesía griega, citó a Safo en su obra "Epístolas". En su poema "Epístola a los Pisones" (conocida también como "Ars Poetica"), Horacio elogia la simplicidad y la belleza de la poesía lírica de Safo, destacando su capacidad para expresar el deseo y la emoción con gran delicadeza.

 4. Virgilio (70–19 a.C.)

Virgilio, otro de los grandes poetas romanos, fue influenciado por la poesía lírica griega, y aunque no la menciona explícitamente en sus obras, la referencia a los poetas griegos como Safo está implícita en su obra "Las Geórgicas". En este sentido, Safo es parte de la tradición poética que Virgilio respeta y sigue.

5. Ovidio (43 a.C.–17/18 d.C.)

El poeta romano Ovidio, conocido por sus obras como "Las Metamorfosis", también expresó admiración por Safo en sus escritos. En su "Remedios de amor", Ovidio menciona a Safo como una de las figuras clave en la poesía amorosa, sugiriendo que su forma de tratar los temas del amor fue una influencia importante para poetas posteriores.

 6. Boccaccio( 1313- 1375) escribe: "Safo, poetisa de Grecia, fue la primera en elevar el talento poético femenino a la fama. Sus obras son prueba de su intelecto sublime, y se dice que instruyó a muchas mujeres en las artes y letras.

7. Christine  de Pizan (1364-1431 ) : "Safo era una mujer de extraordinaria inteligencia, una poeta incomparable, cuyo talento fue reconocido incluso por los hombres más eruditos de su tiempo. Su obra sigue siendo un testimonio de lo que las mujeres son capaces de lograr cuando se les permite desarrollar su potencial."

8. Ronsard (1524–1585) (movimiento literario renacentista) se sintió profundamente influenciado por Safo y la mencionó en varias ocasiones. En su obra "Odas", Ronsard celebró a Safo como una de las grandes poetas y la incluyó en su obra dentro del contexto de la poesía amorosa. Para Ronsard, Safo era una de las figuras más importantes de la lírica clásica.

9. Gertrudis Gómez de Avellaneda ( 1814 - 1873) dedica a Safo una estampa literaria en su serie Galería de mujeres ilustres

10. Carolina Coronado (  1820-1911) en sus Cantos de Safo recuperar su memoria  

11.Rogelia León (1828​ –1870)la cita en un poema en que el yo lírico es Safo lamentándose de la predilección que los hombres muestran hacia las mujeres bellas y sin talento. 

12-María Rosa Gálvez  escribió una tragedia en que recreaba los últimos momentos de la poeta antes de su  suicidio siguiendo la falsa  recreación que Virgilio hizo sobre su personaje 

12. En la poesía contemporánea oetas  como Adrienne Rich (1929 - 2012) , han mencionado y reivindicado la obra de Safo, colocándola como un referente esencial en la literatura sobre el amor, la identidad y el deseo. La poeta española Aurora Luque, estudiosa del mundo griego  nos ayuda desde el video que acompañamos a conocer mejor a Safo 


A Safo también se le atribuye  tres aportaciones musicales: el plectro (una pieza pequeña, triangular y firme con la que tocar la lira, haciendo la función de púa); el péctide (un tipo particular de lira) y el tono mixolidio (una escala tonal de estilo exaltado)


*Lidia,  lugar  conocido por su riqueza y su cultura, especialmente por su conexión con la poesía y el arte en la Antigua Grecia


Papiro de Colonia (2004): Este hallazgo contenía fragmentos que completaron un poema previamente conocido y aportaron líneas nuevas, proporcionando un contexto más rico sobre sus temas.

Fragmentos "de los hermanos" (2014): Descubiertos en un papiro que había sido utilizado como envoltorio de una momia, estos fragmentos son especialmente valiosos porque mencionan a los hermanos de Safo, Caraxo y Larico, aportando posibles detalles sobre su vida personal.

Papiro de Oxirrinco: Este yacimiento en Egipto sigue siendo una fuente crucial para el hallazgo de textos antiguos. Algunos fragmentos de Safo se han encontrado aquí, aunque están incompletos.







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jueves, 30 de enero de 2025

Christina Foyle librera

 


Christina Agnes Lilian Foyle (30 de enero de 1911 - 8 de junio de 1999) fue una librera inglesa y propietaria de la librería Foyles .

Miss Foyle (como le gustaba que la llamaran) nació en Londres, hija de William Foyle , un destacado librero, propietario de Foyles, en Charing Cross Road , en el West End de Londres . La tienda fue fundada en 1904 por William y su hermano Gilbert Foyle. 

A la edad de diecisiete años, después de terminar  us estudios en una escuela suiza, Christina Foyle comenzó a trabajar en la librería de su padre y nunca la abandonó. Ella fue la única de los tres hijos de Foyle que se desarrollo dentro de la actividad. 

En 1930, cuando tenía diecinueve años, Foyle creó el primer almuerzo literario público del mundo, que reunía a escritores notables y otras figuras distinguidas. La idea se le ocurrió hablando con Kipling , Shaw , HG Wells y otros escritores mientras compraban libros, y pensando que otros podrían disfrutar de esa oportunidad. También fue la continuación de las conferencias literarias, iniciadas por su padre, que tuvieron menos éxito. 

En una ocasión, Foyle recomendó The Forsyte Saga a un cliente anciano que buscaba algo para leer en el tren. Compró una copia, pero se la devolvió poco tiempo después con las palabras "Para la joven a la que le gustó mi libro: John Galsworthy ". 

Durante casi setenta años, Christina Foyle presidió los almuerzos literarios de Foyles.  Por lo general, tenían lugar en el Dorchester o en el Grosvenor House Hotel , y normalmente un orador invitado que podia incluir  a Bertrand Russell o Margaret Thatcher  hablaba en alabanza de un libro, así como del autor. 

En mayo de 1936 se creó el Club de Lectura de Izquierda y, hacia finales de 1936, un grupo de “neoconservadores” propuso la creación de un club de lectura de derecha. William y Christina Foyle se comprometieron a organizarlo, y el Right Book Club se inauguró en un almuerzo en el Grosvenor House Hotel en abril de 1937, presidido por Lord Stonehaven , el presidente recientemente retirado del Partido Conservador . The Right Book Club volvió a publicar títulos con temas conservadores y liberales clásicos .

En 1945, el control de la tienda pasó a sus manos Fue bajo su mandato que la tienda se estancó. Se resistió a la sindicalización del personal de la librería .Se negó a instalar cajas registradoras electrónicas o calculadoras, y los pedidos no se tomaban por teléfono. 

La tienda operaba un sistema de pago que requería que los clientes hicieran cola tres veces. Había una disposición de estanterías que categorizaba los libros por editorial, en lugar de por tema o autor. 

Foyle conoció a muchas figuras literarias y políticas destacadas durante su vida. Su colección de correspondencia personal incluía una carta de Adolf Hitler , en respuesta a su denuncia sobre la quema de libros nazi . Entre sus amigos literarios se encontraban Kingsley Amis , Charles de Gaulle , DH Lawrence , Yehudi Menuhin , JB Priestley , George Bernard Shaw , Margaret Thatcher , Evelyn Waugh y HG Wells .

Según los términos de su testamento La Fundación Foyle se estableció en 2001 . Concede subvenciones a otras organizaciones benéficas del Reino Unido, principalmente en los campos de las artes y el aprendizaje (hasta 2009, también la salud). Las cuentas de 2010 mostraron fondos por más de £76 millones. Entre otras subvenciones, hizo una gran donación para la compra del libro europeo intacto más antiguo, el Evangelio de San Cuthbert , para la Biblioteca Británica en 2011/12.

https://en.wikipedia.org/wiki/Christina_Foyle

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miércoles, 29 de enero de 2025

Olga Tokarczuk Premio Nobel de Literatura de 2018

 

Olga Nawoja Tokarczuk (Sulechów, Polonia, 29 de enero de 1962) es una escritora y ensayista polaca, autora de adaptaciones escénicas, poeta y psicóloga. Ganadora del Premio Literario Nike de literatura polaca y del Premio Nobel de Literatura de 2018 anunciado el 10 de octubre de 2019.

Olga Tokarczuk nació en Sulechów, al oeste de Polonia. Es hija de Wanda Słabowska y Józef Tokarczuk, ambos maestros. Pasó sus primeros 10 años en Klenica y posteriormente se mudó con su familia a Kiertz. ​ Graduada en psicología por la Universidad de Varsovia en 1985, durante sus estudios trabajó como voluntaria en la atención de enfermos mentales. Tras graduarse, trabajó como psicoterapeuta en la clínica de salud mental de Walbrzych.​ En el momento en que sus primeras obras literarias se popularizaron, dejó este trabajo y se mudó a Nowa Ruda para dedicarse a escribir. Actualmente divide su tiempo entre Breslavia y Krajanów, cerca de Nowa Ruda, en los Sudetes​ El paisaje y la cultura de esta región se reflejan en varias de sus obras literarias. Imparte talleres de prosa en los estudios de Artes Literarias de la Universidad Jaguelónica de Cracovia.

Colabora en la organización del Festival Opowiadania (festival de relatos), en el cual autores polacos y del resto del mundo presentan sus obras. Desde el año 2008, imparte clases de escritura creativa en la Universidad de Opole. Olga Tokarczuk también es miembro del partido Los Verdes desde 2004.

Tokarczuk estuvo casada con Roman Fingas, con quien tuvo a su hijo Zbigniew en 1986. Grzegorz Zygadło es su segundo esposo.​




Tokarczuk encuentra su inspiración, entre otros, en Carl Gustav Jung, en la lectura de Antón Chéjov, Thomas Mann, Nikolái Gógol y en las historias fantásticas de Edgar Allan Poe.

Debutó en 1979 en la revista juvenil Na przełaj, donde bajo el pseudónimo de Natasza Borodin publicó sus primeras historias.

Como novelista debutó en 1993, con la publicación de El viaje de los hombres del Libro (Podróż ludzi Księgi).​ El libro recibió el Premio de la Asociación Polaca de Editores de Libros.


En 1995 apareció su segunda novela, E. E, que cuenta la historia de una chica que de repente adquiere habilidades parapsicológicas y las pierde de igual modo súbitamente.​

En 1996 publicó la novela En un lugar llamado antaño (Prawiek i inne czasy), libro que fue seleccionado para el Premio Literario Nike en 1997 y que ganó el Premio del Público de dicho certamen.




En 1998 publicó una colección de historias reunidas en un volumen, El ropero (Szafa), así como otra novela titulada Casa diurna, casa nocturna (Dom dzienny, dom nocny), segunda obra de Tokarczuk que fue nominada al prestigioso Premio Literario Nike.

En el 2000 publicó el libro La muñeca y la perla (Lalka i perła), ensayo sobre la novela La muñeca (Lalka) de Bolesław Prus.

La obra de diecinueve relatos cortos Concierto de varios tambores (Gra na wielu bębenkach), publicada en 2001, también compitió por el Premio Literario Nike. Dos de los relatos de este libro fueron adaptados al cine: Żurek, por Ryszard Brylski en 2003; y Ariadna en Naxos por Agnieszka Smoczyńska en 2007, bajo el título Aria Diva.​

En 2004 publicó Ostatnie historie (Historias últimas), donde presenta la historia de Polonia y Ucrania a través de las experiencias de tres mujeres de la misma familia: abuela, madre e hija.​

En 2006 publicó el libro Anna Inn en los sepulcros del mundo (Anna Inn w grobowcach świata), novela basada en la mitología sumeria, como parte del proyecto Canongate Myth Series.​



En la primera mitad de octubre de 2007 apareció la novela Bieguni (Los errantes). Tokarczuk, que trabajó en ella tres años, señala que la mayoría de las notas las tomó estando de viaje. En la introducción escribe: «no es un libro de viajes. No se describen monumentos ni lugares. No es un diario de viaje ni un reportaje. Pretendo mirar más allá de lo que significa viajar, moverse, desplazarse. ¿Qué tiene sentido? ¿Qué nos aporta? Qué significa.» Como ella misma dice, "escribir novelas es como contarse cuentos uno mismo en la madurez, como hacen los niños antes de dormir, que utilizan el lenguaje que se encuentra en la frontera entre el sueño y la conciencia, describiendo y creando". El 5 de octubre de 2008 recibió el Premio Literario Nike.

En 2009 se publicó su novela titulada en español Sobre los huesos de los muertos (Prowadź swój pług przez kości umarłych). Es un libro basado en un esquema de la novela negra que sirve a Tokarczuk, como siempre, para presentar la complejidad del mundo y entorno humano. Los acontecimientos pasan en un lugar olvidado entre las montañas (Kotlina Kłodzka, donde vive la escritora), en el que ocurren una serie de muertes. La narradora de la historia, una mujer mayor, poco atractiva para protagonizar una novela contemporánea, cuenta las muertes violentas y las explica como una venganza de los animales salvajes frente a quienes los matan: los cazadores. El misterio de los crímenes se resuelve al final.

En la novela está presente el tema tanto de la responsabilidad como de la irresponsabilidad humana frente al mundo de la naturaleza.

El libro fue criticado por el radicalismo ecologista que representa la protagonista y narradora, aunque no hay motivos para interpretar esta voz como la de la autora misma.

Sin embargo, se presenta al lector el tema del radicalismo y la mitología personal y a dónde pueden llevarle a uno, aunque basándose en las buenas intenciones. La novela abunda en citas de William Blake. El libro fue adaptado al cine por Agnieszka Holland y Katarzyna Adamik en 2017 bajo el título Pokot (en español El rastro).

En 2018 se convirtió en la primera escritora polaca en recibir el premio Man Booker International por su novela Los errantes, que había sido traducida al inglés por Jennifer Croft.​

En octubre de 2019, la Academia Sueca anunció que el premio Nobel de Literatura de 2018, que no había podido ser otorgado en su año por cuestiones internas, recaía en Tokarczuk.​

En 2019, Tokarczuk estableció la fundación que lleva su nombre con el objetivo de organizar una amplia variedad de actividades relacionadas con la literatura, como programas educativos, concursos literarios y becas para escritores jóvenes. El Consejo de la fundación está encabezada por Olga Tokarczuk, la directora de cine y TV Agnieszka Holland, el artista Irek Grin y el hijo de Tokarczuk, Zbyszko Fingas. Su esposo Grzegorz Zygadło es parte de la Junta​.


Obra publicada


Olga Tokarczuk, Cracovia (Polonia), 2005

La ciudad en los espejos (Miasto w lustrach) (1989) - poemario.

El viaje de los hombres del Libro (Podróż ludzi Księgi) (1993).

E. E. (1995)

Un lugar llamado antaño (Prawiek i inne czasy) (1996).

El ropero (Szafa) (1997).

Casa diurna, casa nocturna (Dom dzienny, dom nocny) (1998).

Relatos navideños (Opowieści wigilijne) (2000) - junto con Jerzy Pilch y Andrzej Stasiuk.

La muñeca y la perla (Lalka i perła) (2000).

Concierto de varios tambores (Grę na wielu bębenkach) (2001).

Historias últimas (Ostatnie historie) (2004).

Anna In en los sepulcros del mundo (Anna In w grobowcach świata) (2006).

Los errantes (Bieguni) (2007)

Sobre los huesos de los muertos (Prowadź swój pług przez kości umarłych) (2009).

El momento del oso (Moment niedźwiedzia) (2012), ensayos precedidos de un prólogo de Kinga Dunin.

Los libros de Jacob (Księgi Jakubowe) (2014), novela histórica

Alma perdida (Zgubiona dusza) (2017).

Relatos bizarros (Opowiadania bizarne) (2018). Cracovia, Editorial Literaria.15​

Tierno narrador (Czuły narrator) (2020).


Reconocimientos 

Premio de la Asociación Polaca de Editores de Libros (Polskie Towarzystwo Wydawców Książek) (1993).

Premio Literario de la Fundación Kościelski (1997).

Premio Literario Vilenica, otorgado a escritores de Europa Central (2013).

Premio Literario Nike por las novelas Los Errantes (2008) Los libros de Jacob (2015)4​16​.

Premio Nike de la Audiencia por Un lugar llamado antaño (1997), Casa diurna, casa nocturna (1999), Concierto de varios tambores (2002), Los errantes (2008) y Los libros de Jacob (2015)4​.

El Premio Paszport Polityki.

El Premio Booker (The Man Booker International Prize) por el libro Los errantes (Bieguni) (2018).

Premio Nobel de Literatura de 2018 (anunciado en 2019).

Doctorado Honoris Cause por la Universidad de Breslavia (2021)​

Doctorado honoris causa por la Universidad de Varsovia (2022)

Doctorado honoris causa por la Universidad Jaguielónica de Cracovia (2022)

https://www.museodelprado.es/recurso/el-mundo-como-una-pintura/e489054e-442b-4f5e-b07a-f35a380a9413

https://es.wikipedia.org/wiki/Olga_Tokarczuk


https://www.anagrama-ed.es/libro/panorama-de-narrativas/los-libros-de-jacob/9788433901804/PN_1096

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martes, 28 de enero de 2025

Marta Hegemann artista expresionista

Marta Hegemann (Düsseldorf,  14 de febrero de 1894 - Colonia, 28 de enero de  1970) fue una artista alemana, casada con el también pintor Anton Räderscheidt (1892 – 1970). Ambos se enmarcan en el estilo expresionista de la Nueva Objetividad.

Angelika Hoerle artista dadaista  estaba fascinada con su actividad artística.

Hegemann fue una destacada artista de la vanguardia de Colonia durante los años veinte. Practicaba su propia mezcla de realismo mágico. Una selección de su obra está expuesta en el Museo Ludwig de Colonia. Su esposo pintó, a lo largo de esta década, a parejas solitarias, posando estiradas, normalmente con los rasgos suyos y de Marta.


Traducimos un escrito sobre ella que nos ayuda a conocerla : 

Sobre la obra de la pintora Marta Hegemann 1919-1936

Cuando en 1918, a la edad de 24 años, Marta Hegemann decidió dedicarse a la vida como artista independiente, ya había completado su formación como profesora de dibujo y deportes en la Escuela de Artes Aplicadas de Colonia y en la Academia de Arte de Düsseldorf. Ese mismo año se casó con el amigo pintor de Colonia Anton Räderscheidt, con quien permaneció conectada durante casi veinte años como una comunidad viva y artística. Décadas que, a pesar de intensas tensiones personales, resultaron sumamente estimulantes para ambos, especialmente en el aspecto artístico.


Incluso en su vejez, a Hegemann todavía le gustaba recordar la primera vez que trabajaron juntos durante los años revolucionarios y de posguerra, existencialmente difíciles pero artísticamente creativos, y escribe en sus recuerdos: “Durante ese tiempo teníamos frío, teníamos hambre. Celebrábamos, pero sobre todo mirábamos. Y esta búsqueda fue increíblemente estimulante” (citado de: Michael Euler-Schmidt (ed.) Marta Hegemann-Leben und Werk, exposición cat. Kölnisches Stadtmuseum, Colonia 1990, p.73ff). 

Los amigos del arte de Colonia Angelika y Heinrich Hoerle, Carlo Mense, F.W. Seivert y Wilhelm Fick se conocieron en el estudio de Hegemann y durante un breve período formaron el grupo de artistas de inspiración dadaísta “stupid”. Max Ernst les dio a conocer la revista “Valori plastici”, se inspiraron en “pittura metaphysica” y las imágenes surrealistas también se abrieron paso en la obra de Marta Hegemann.

Su pintura es el lugar para su debate muy personal y políticamente entendido como mujer en una sociedad patriarcal. Con esta comprensión, desarrolla un lenguaje visual individual cuyos signos y símbolos con los que rodea sus figuras predominantemente femeninas todavía plantean enigmas. Externamente, sus figuras femeninas se asemejan a la imagen de la “Mujer Nueva” difundida en la década de 1920, que oscila entre el cliché mediático de masas y la autoimagen emancipadora de la mujer que aparece por primera vez en público. Marta Hegemann busca rodear la intersección de la autodeterminación y la determinación externa y en el curso de su trabajo inventa diseños cada vez más forzados para la autoliberación.



Los objetos que aparecen una y otra vez: libro, lámpara, paraguas, cafetera, torre de iglesia, velero, gatos y criaturas voladoras determinan el entorno de la mujer, su encarcelamiento y sus intentos de escapar y desarrollarse. Utiliza repetidamente estos símbolos para problematizar su papel como ama de casa y madre. La artista independiente exige la igualdad de derechos que le niegan en su rol tradicional.


Desde mediados de 1925 participó en numerosas exposiciones y se convirtió en una artista muy conocida en Renania. Después de la entrega del poder a los nacionalsocialistas en 1933, Hegemann  intentó encontrar un nuevo entorno de vida en Italia, Suiza y Francia. Pero la separación se produce.

En 1937, sus fotografías que se encontraban en el museo fueron retiradas y destruidas por ser “degeneradas” . Marta Hegemann sobrevive a las dificultades económicas y a los constantes cambios de vivienda, pero pierde la mayor parte de su trabajo, también debido a los bombardeos.

Después de 1946 volvió a trabajar artísticamente, pudo sobrevivir con el trabajo artesanal y en 1958 se instaló de nuevo en Colonia allí hasta su muerte en 1970.. Su última obra se creó




https://es.wikipedia.org/wiki/Marta_Hegemann

https://dasverborgenemuseum.de/ausstellungen/ausstellung/marta-hegemann-1894-1970

https://dasverborgenemuseum.de/kuenstlerinnen/hegemann-marta

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lunes, 27 de enero de 2025

Mahalia Jackson la mayor intérprete de Música góspel de todos los tiempos



Mahalia Jackson (Nueva Orleans, 26 de octubre de 1911 - Chicago, 27 de enero de 1972) fue una cantante estadounidense de Góspel.

Nacida en Nueva Orleans en 1911, Mahalia Jackson creció en una casa compartida por 13 personas. Criada por su tía Duke después de la muerte de su madre en 1917, las circunstancias económicas obligaron a Jackson a dejar la escuela y trabajar en casa cuando estaba en cuarto grado. Sus primeras influencias fueron las vistas y los sonidos de la zona alta de Nueva Orleans: barcos de vapor bananeros en el río Mississippi, bellotas asándose en Audubon Park, bandas de jazz de moda, la música beat de la Iglesia Santificada y la voz de blues de Bessie Smith flotando desde la casa de su primo Fred. tocadiscos. Pero Jackson encontró su mayor inspiración en la Iglesia Bautista Mt. Moriah, donde cantó los miércoles, viernes y cuatro veces el domingo. Incluso a los 12 años, su poderosa voz se podía escuchar hasta el final de la cuadra. "Serás famosa en este mundo y caminarás con reyes y reinas", dijo su tía Bell, prediciendo un futuro ilustre para una voz que cambiaría el rostro de la música estadounidense, fortalecería el movimiento por los derechos civiles y daría fama mundial a Mahalia Jackson.

Jackson tenía 16 años cuando se unió a su tía Hannah a bordo del Ferrocarril Central de Illinois. Como muchos afroamericanos en el sur, se mudó a Chicago en busca de mejores oportunidades, pero durante sus primeros años allí sólo encontró trabajo doméstico mal remunerado. Siempre elevando su espíritu a través de la iglesia y su música, Jackson se unió a la Iglesia Bautista Greater Salem y comenzó a viajar con los Johnson Brothers, el primer grupo de gospel profesional de Chicago. Como cantante de "pan y pescado", Jackson actuó para donaciones en iglesias, sótanos y otros lugares improvisados. Más tarde, consiguió entradas para sus apariciones (diez centavos cada una) y encontró trabajo cantando en funerales y avivamientos. Durante este período, Jackson hizo la promesa de vivir una vida pura, libre de entretenimiento secular. Prometió usar su voz para canciones espirituales, una promesa que cumplió.


En 1937, Jackson había realizado su primera serie de grabaciones con Decca Records. Su primer tema, "God's Gonna Separate the Wheat from the Tares", sólo tuvo un éxito comercial moderado. A pesar de las sugerencias de su representante de A&R, se negó a grabar un disco de blues, recordando su promesa de cantar sólo música gospel. Como resultado, perdió su contrato con Decca. Casada ya con su primer marido, Ike, Jackson decidió comprar una propiedad inmobiliaria e invertir en su propio negocio, un salón de belleza. Le llegaron ofertas de trabajo en el teatro con salarios altos y, aunque Ike protestó, Jackson cumplió su promesa. La música gospel se estaba volviendo popular en las iglesias de Chicago y Jackson estaba construyendo una comunidad de músicos gospel. Entre ellos se encontraba Thomas Dorsey, un talentoso compositor y pianista afroamericano nacido en Atlanta que había emigrado al norte con una visión de la música gospel. Eligió a Jackson de entre todos los cantantes de Chicago para que fuera su pareja y, como acto itinerante, los dos marcaron el comienzo de la Edad de Oro del gospel.


En 1948, Mahalia Jackson grabó "Move On Up a Little Higher" para Apollo Records, vendiendo un millón de copias en los Estados Unidos. Un DJ de radio blanco, Studs Terkel, ayudó a popularizar la grabación, poniéndola junto con los éxitos de rhythm and blues de la época. Con su fascinante voz de contralto, Jackson era tan cautivadora como los cantantes de blues populares, y el ritmo vibrante del gospel resultó igual de bailable, incluso para aquellos que no iban a la iglesia. Jackson comenzó a realizar giras extensas. Y aunque luchó contra el racismo y la segregación, especialmente en el Sur, podía recaudar cientos de dólares por un solo concierto. En 1950, fue invitada a actuar en el Carnegie Hall como artista principal en el Primer Festival de Música Gospel Negra, un evento monumental en la historia de la música gospel.

Ampliamente considerada como una de las más influyentes cantantes del siglo XX, y la mayor intérprete de Música góspel de todos los tiempos. Contaba con la tesitura vocálica de una contralto y es conocida como «La reina de la música góspel».

Fue conocida a nivel mundial como cantante y activista en defensa de los derechos civiles. Mahalia Jackson cantó ante los presidentes Eisenhower y John F. Kennedy. Cantó también ante Martin Luther King y en 1971, en Tokio, ante el Emperador Hirohito.


Murió  con 60 años el 27 de enero de 1972 en Chicago, Estados Unidos.

https://es.wikipedia.org/wiki/Mahalia_Jackson

http://www.mahaliajackson.us/

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domingo, 26 de enero de 2025

Rani Gaidinliu líderesa espiritual y política en India

 


Gaidinliu Pamei (26 de enero de 1915 - 17 de febrero de 1993), conocido popularmente como Rani Gaidinliu , fue un lideresa espiritual y política naga que encabezó una revuelta contra el dominio británico en la India . A la edad de 13 años, se unió al movimiento religioso de Heraka de su prima Haipou Jadonang . Más tarde, el movimiento se convirtió en un movimiento político que buscaba expulsar a los británicos de Manipur y las áreas circundantes de Naga . Dentro de la fe de Heraka, llegó a ser considerada una encarnación de la diosa Cherachamdinliu.  Gaidinliu fue arrestado en 1932 a la edad de 16 años y sentenciado a cadena perpetua por los gobernantes británicos. Jawaharlal Nehru la conoció en la cárcel de Shillong en 1937 y prometió buscar su liberación. Nehru le dio el título de "Rani" ("Reina") y ganó popularidad local como Rani Gaidinliu .

Fue liberada en 1947 después de la independencia de la India y continuó trabajando por la elevación de su pueblo. Defensora de las prácticas religiosas ancestrales de los Naga, se resistió firmemente a la conversión de los Nagas al cristianismo. Fue honrada como luchadora por la libertad y el Gobierno de la India le otorgó un Padma Bhushan .


Gaidinliu nació el 26 de enero de 1915 en la aldea de Nungkao (o Longkao) en la actual subdivisión de Tousem del distrito de Tamenglong , Manipur. Ella era de la tribu Rongmei Naga (también conocida como Kabui). Era la quinta de ocho hijos, incluidas seis hermanas y un hermano menor, de Lothonang Pamei y Kachaklenliu.  La familia pertenecía al clan gobernante de la aldea.No tuvo una educación formal debido a la falta de escuelas en la zona. 

En 1927, cuando tenía sólo 13 años, Gaidinliu se unió al movimiento Heraka de su primo Haipou Jadonang , quien se había convertido en un destacado líder local. El movimiento de Jadonang fue un resurgimiento de una religión tribal. Atrajo a varios seguidores de las tribus Zeliangrong (los Zeme , Liangmai y Rongmei ). Jadonang fue condenado y ahorcado por los británicos .

 Persuadida por la ideología y los principios de Jadonang, Gaidinliu se convirtió en su discípulo y parte del movimiento contra los británicos. En tres años, cuando tenía 16 años, también fue acusada de crear disturbios comunitarios contra Kukis y los británicos querían arrestarla. Así que ella estaba movilizando a la gente contra los británicos y su gobierno, finalmente arrestada por los británicos por su calamidad contra los Kukis.

Después de que Jadonang fuera arrestado y ahorcado por los británicos en 1931, Gaidinliu emergió como su heredera espiritual y político. 


Se rebeló abiertamente contra el dominio británico y exhortó al pueblo de Zeliangrong a no pagar impuestos. Recibió donaciones de los Nagas locales, muchos de los cuales también se unieron a ella como voluntarios. Las autoridades británicas lanzaron una persecución en su busca. Eludió el arresto de la policía y atravesó pueblos de lo que hoy son Assam , Nagaland y Manipur . El gobernador de Assam envió el 3.º y 4.º batallones de Assam Rifles contra ella, bajo la supervisión del subcomisionado de Naga Hills, JP Mills. Se declararon recompensas monetarias por información que condujera a su arresto: esto incluía una declaración de que cualquier pueblo que proporcionara información sobre su paradero obtendría una exención fiscal de 10 años. Sus fuerzas se enfrentaron a los Assam Rifles en conflictos armados en North Cachar Hills (16 de febrero de 1932) y la aldea de Hangrum (18 de marzo de 1932). 

En octubre de 1932, Gaidinliu se mudó a la aldea de Pulomi, donde sus seguidores comenzaron a construir una fortaleza de madera. Mientras la fortaleza estaba en construcción, un contingente de Assam Rifles encabezado por el Capitán MacDonald lanzó un ataque sorpresa contra la aldea el 17 de octubre de 1932. Gaidinliu, junto con sus seguidores, fue arrestada sin ninguna resistencia cerca de la aldea de Kenoma. Gaidinliu negó haber tenido algún papel en el ataque al puesto Hangrum de los Assam Rifles o en la construcción del fuerte.  

De 1933 a 1947 cumplió condena en las cárceles de Guwahati , Shillong , Aizawl y Tura . Muchos rebeldes la proclamaron a ella y a Jadonang como su inspiración al negarse a pagar impuestos a los británicos. Sin embargo, su movimiento decayó después de que el último de sus seguidores, Dikeo y Ramjo, fueran arrestados en 1933. Jawaharlal Nehru la conoció en la cárcel de Shillong en 1937 y prometió buscar su liberación. Su declaración, publicada en el Hindustan Times , describió a Gaidinliu como una "hija de las colinas" y le dio el título de "Rani" o Reina de su pueblo. Nehru escribió a la parlamentaria británica Lady Astor para que hiciera algo por la liberación de Rani Gaidinliu, pero el Secretario de Estado de la India rechazó su solicitud afirmando que los problemas podrían volver a surgir si Rani era liberada. 



Después de que se estableció el Gobierno interino de la India en 1946, Rani Gaidinliu fue liberado de la cárcel de Tura por orden del primer ministro Nehru, después de haber pasado 14 años en varias prisiones. Continuó trabajando por la elevación de su pueblo después de su liberación. Permaneció en la aldea de Tuensang en Vimrap con su hermano menor Marang hasta 1952. En 1952, finalmente se le permitió regresar a su aldea natal de Longkao. En 1953, el Primer Ministro Nehru visitó Imphal, donde Rani Gaidinliu se reunió y le transmitió la gratitud y la buena voluntad de su pueblo. Posteriormente se reunió con Nehru en Delhi para discutir el desarrollo y el bienestar del pueblo Zeliangrong.

Gaidinliu se opuso a los insurgentes del Consejo Nacional Naga (NNC), que defendían el secesionismo de la India. En cambio, hizo campaña por un territorio Zeliangrong separado dentro de la Unión de la India.   Los líderes rebeldes Naga criticaron el movimiento de Gaidinliu por la integración de las tribus Zeliangrong bajo una sola unidad administrativa. También se oponían a que ella trabajara por el renacimiento de la religión tradicional Naga del animismo o Heraka . Los líderes del NNC consideraron sus acciones un obstáculo para su propio movimiento. Los líderes bautistas consideraron anticristiano el movimiento de avivamiento de Heraka y se le advirtió de graves consecuencias si no cambiaba su postura. Para defender la cultura Heraka y fortalecer su posición, pasó a la clandestinidad en 1960. 

En 1966, después de seis años de dura vida clandestina en su vejez, en virtud de un acuerdo con el Gobierno de la India , Rani Gaidinliu salió de su escondite en la jungla para trabajar por el mejoramiento de su pueblo a través de medios pacíficos, democráticos y no violentos. Fue a Kohima el 20 de enero de 1966 y se reunió con el Primer Ministro Lal Bahadur Shastri en Delhi el 21 de febrero de 1966, exigiendo la creación de una unidad administrativa separada de Zeliangrong. El 24 de septiembre, 320 de sus seguidores se rindieron en Henima. 

Durante su estancia en Kohima , recibió el "Premio Tamrapatra Freedom Fighter" en 1972, el Padma Bhushan (1982) [10] y el Premio Vivekananda Seva (1983). 

El gobierno estatal ha desarrollado un parque j con una estatua en su honor  en Silchar, Assam.

El Gobierno de la India emitió un sello postal en su honor en 1996 y una moneda conmemorativa en 2015.

https://en.wikipedia.org/wiki/Rani_Gaidinliu

https://amritmahotsav.nic.in/unsung-heroes-detail.htm?56

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sábado, 25 de enero de 2025

Pauline, Lady Trevelyan pintora prerrafaelista y mecenas

Paulina, Lady Trevelyan, 1864 pintada por  William Bell Scott

Pauline, Lady Trevelyan  de soltera Paulina Jermyn; (25 de enero de 1816, Hawkedon , Suffolk - 13 de mayo de 1866, Neuchâtel , Suiza) fue una pintora inglesa, conocida por hacer de Wallington Hall en Northumberland un centro de la vida cultural  y por su relación e influencia en la Hermandad Prerrafaelita  . Se casó en mayo de 1835 con Sir Walter Calverley Trevelyan  .

Paulina (conocida como Pauline) Jermyn era la hija mayor de George Bitton Jermyn (1789-1857). Su madre era de ascendencia hugonota. 

El matrimonio entre la artista Pauline Jermyn, la hija pobre de un clérigo, y el rico, abstemio y vegetariano Sir Walter Calverley Trevelyan fue un acuerdo improbable, pero no sorprendentemente exitoso: su interés común por la geología y el arte aseguró su compatibilidad y el matrimonio sin hijos les permitió canalizar su creatividad hacia otros fines. 

Poco antes de proponerle matrimonio a Pauline, Walter le había regalado a su futura esposa una caja de fósiles. Walter era dueño de la propiedad de Wallington desde 1846 hasta su muerte. Además de ser un distinguido geólogo, tenía un gran interés por la botánica y era una autoridad en métodos agrícolas, ganando premios por su ganado. Sus estrictas opiniones sobre el alcohol llevaron a arrojar la colección de vinos de su padre a un lago cercano. Pauline lo había conocido en 1833 en una conferencia de Cambridge de la Asociación Británica para el Avance de la Ciencia . Había estudiado griego, francés, latín, alemán e italiano, y sus intereses eran las ciencias, la literatura y las bellas artes. Escribió artículos para Edinburgh Review y The Scotsman . En su primera visita a la familia de su marido en Wallington, se inspiró en la remodelación de la cercana Newcastle de Richard Grainger y John Dobson .  

Walter era un científico respetado, pero fue eclipsado por Pauline, que se había convertido en el punto focal de una enorme variedad de poetas, pintores y escritores. Fue durante este período que evolucionó el Salón Central. En días anteriores la casa estaba rodeada por un patio poco atractivo, hasta que Ruskin sugirió que se techara, de modo que en 1855 esto se hizo bajo su supervisión y la de John Dobson. Se dice que Ruskin, de quien Pauline era una gran admiradora y confidente,  diseñó la balaustrada del primer piso. William Bell Scott, entonces profesor de arte en Newcastle, con la ayuda de Pauline, Ruskin y Arthur Hughes , pintó paneles en el Salón que mostraban figuras y escenas de la historia de Northumberland en estilo prerrafaelita. Pauline fue una de las primeras patrocinadoras de Dante Gabriel Rossetti en el norte de Inglaterra (la primera fue otra mujer del norte, Ellen Heaton , hija de un librero de Leeds, en 1855).


Pauline fue enterrada en Neuchâtel . Cada año, muchos visitantes vienen a apreciar su contribución a la humanidad.

 pintado parcialmente por Pauline


https://en.wikipedia.org/wiki/Pauline,_Lady_Trevelyan

https://es.wikipedia.org/wiki/Wallington_Hall

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viernes, 24 de enero de 2025

Edith Wharton escritora



Edith Wharton, de soltera Edith Newbold Jones (Nueva York, 24 de enero de 1862 - Saint-Brice-sous-Forêt, Francia, 11 de agosto de 1937), fue una escritora y diseñadora estadounidense.

Nació en una familia rica que le proporcionó una sólida educación privada. Combinó su privilegiada posición con un natural ingenio para escribir novelas y relatos, que destacaron por su humor, carácter incisivo y escasez de acción narrativa. Asimismo, trabajó en diversas publicaciones.

En 1885, a la edad de 23 años, Edith se casó con Edward (Teddy) Robbins Wharton, doce años mayor que ella. Se divorciaron en 1913 por las repetidas y públicas infidelidades de su marido, que la afectaron mental y físicamente. Durante algunos años, al final de su tumultuoso e infeliz matrimonio, mantuvo un idilio con William Morton Fullerton (1865–1952), periodista estadounidense que trabajaba en el diario The Times. Fullerton alternaba su relación con la escritora con un romance con otra mujer.


Desde fines del siglo XIX, Wharton produjo un gran número de novelas, libros de viajes, relatos (entre los que destacan algunos cuentos de fantasmas memorables) y poemas. En 1902 publicó una novela histórica titulada El valle de la decisión (The Valley of Decision). La crítica considera como su primera gran novela La casa de la alegría (The House of Mirth, 1905), una historia que ironiza sobre la aristocracia financiera neoyorquina de la que ella misma era un miembro destacado.

Edith Wharton era una gran admiradora de la cultura y arquitectura europea, lo que le hizo cruzar el Atlántico un total de 66 veces antes de morir.

En 1907 se estableció definitivamente en Francia, donde fue discípula y amiga de Henry James. Primero se instaló en París y a partir de 1919 en sus dos casas de campo, Pavilion Colombe en la cercana Saint-Brice-sous-Forêt y en el antiguo convento de Sainte-Claire le Château en Hyères al sudeste de Francia.

De esta época destaca su novela corta Ethan Frome, una trágica historia de amor entre personas corrientes ambientada en Nueva Inglaterra, que se publicó en 1911. En opinión de muchos críticos, este libro alcanza, por su sencillez, una universalidad que no tienen sus novelas de sociedad.

Ella vivía en la muy de moda Rue de Varenne en París cuando comenzó la Primera Guerra Mundial y usando sus altas conexiones con el Gobierno francés, consiguió permisos para viajar en motocicleta por las líneas del frente. Wharton describe esa experiencia en una serie de artículos que posteriormente se recopilarían en el ensayo Fighting France: From Dunkerque to Belfort (1915).

Durante la guerra también, trabajó para la Cruz Roja con los refugiados, por lo que el gobierno francés le otorgó la cruz de la Legión de Honor. Su labor social fue muy extensa, Wharton dirigió salas de trabajo para mujeres desempleadas, celebró conciertos para dar trabajo a músicos, apoyó hospitales para tuberculosos, y fundó los American Hostels para ayudar a los refugiados belgas. En 1916, editó un volumen titulado El libro de los sin techo (The Book of the Homeless) reuniendo escritos, ilustraciones y partituras de los más grandes nombres del mundo de la creación artística del momento. Al acabar la guerra, volvió a Estados Unidos, país que no volvería a pisar.

Aunque no formaban parte del refinado mundo de la autora, Edith Wharton quedó fascinada y luchó por el reconocimiento de la comunidad artística de Montmartre y Montparnasse.

Fue miembro de la Academia Americana de las Artes y las Letras (1926) y del Instituto Nacional de las Artes y las Letras. El gobierno de Estados Unidos le concedió la medalla de oro de este último Instituto Nacional en 1924, y fue la primera mujer en alcanzar tal distinción.

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Su obra más conocida es La edad de la inocencia (The Age of Innocence) de 1920, que ganó el premio Pulitzer en 1921. Como en esos años Edith Wharton hablaba fluidamente francés, muchos de sus libros fueron publicados tanto en inglés como en francés. En 1923, fue la primera mujer nombrada Doctor honoris causa por la Universidad de Yale.

Fue amiga y confidente de muchos intelectuales de su tiempo. Henry James, Francis Scott Fitzgerald, Jean Cocteau y Ernest Hemingway fueron invitados suyos en alguna que otra ocasión. También fue una buena amiga del presidente reformador Theodore Roosevelt.

Edith Wharton fue ampliamente respetada, además, como paisajista y asesora de estilo en su tiempo y escribió algunos libros decisivos al respecto, como La decoración de casa (The Decoration of Houses) y Villas italianas (Italian Villas). The Mount, su finca en Lennox, Massachusetts, fue diseñada por la escritora y ejemplifica sus diseños.

Continuó escribiendo hasta su fallecimiento el 11 de agosto de 1937 en Saint-Brice-sous-Forêt, en la región de Île-de-France, cerca de París. Está enterrada en el cementerio de Gonards en Versalles.



Su última novela, Las bucaneras (The Buccaneers) quedó inconclusa en el momento de su muerte. Marion Mainwaring terminó la historia después de un minucioso estudio de las notas y la sinopsis que Wharton dejó escritas. La novela fue publicada en 1938 en su versión incompleta y en 1993 en la definitiva.


Una de las características de muchas de sus novelas es el frecuente uso de la ironía. Habiendo crecido en la clase alta de la sociedad de la preguerra, Wharton se convirtió en una de las más astutas críticas de este grupo social. Mostró en algunas de sus obras como La casa de la alegría o La edad de la inocencia la estrechez de miras y la ignorancia de la alta sociedad a través de un hábil uso de la ironía.

Solía usar Wharton el vocabulario y dicción propios de esta clase social neoyorquina en sus prácticas rituales y costumbres como recurso para mostrar lo particular de su existencia. Precisamente el conocimiento personal que tenía de ese grupo social hizo que sus escritos de ficción fueran verídicos, casi ensayos sobre los usos y convencionalismos de una parte de la sociedad que permanecía oculta para el gran público. Eso sí, sus escritos gozan de gran hondura psicológica en el retrato de sus personajes, en especial en situaciones en los que la buena compostura indicaba que debían quedar silenciados y que gracias a la destreza literaria de Wharton, abren sus mentes a los lectores.

Obra
Novelas
1892 - Bunner Sisters, publicada en 1916 en el volumen titulado Xingu and other stories. Las hermanas Bunner, Contraseña, 2011, traducido por Ismael Attrache,  novela corta
1900 - The Touchstone. Trad.: La piedra de toque, Zut Ediciones,  vertido por Laura Naranjo.
1901 - Crucial Instances.
1902 - The Valley of Decision. Trad.: El valle de la decisión.
1903 - Sanctuary.
1905 - The House of Mirth. Trad.: La casa de la alegría, Planeta, 1984,Ediciones del Bronce, 2000 ; RBA, 2004, Alba, 2008, 
1907 - The Fruit of the Tree. Trad.: El fruto del árbol
1907 - Madame de Treymes. Trad.: Madame de Treymes, Península, 1997,; y Bibliotex, 1998,  novela corta.
1911 - Ethan Frome. Trad.: Ethan Frome, Buenos Aires, Centro Editor de Amética Latina, 1977; Montesinos, 1981 ; Nuevas Ediciones de Bolsillo, 2009 
1912 - The Reef. Trad.: El arrecife, Alba, , vertido por J. J. Zaro; y en Nuevas Ediciones de Bolsillo, 2004
1913 - The Custom of the Country. Trad.: Las costumbres del país, Destino, 1990, ; y 1995,  y Las costumbres nacionales, Alba, 2007, 
1917 - Summer. Trad.: Estío, Grijalbo, 1995,  y RBA, 2004, 
1918 - The Marne
1920 - The Age of Innocence. Trad.: La edad de la inocencia Tusquets, 1984, ISBN 978-84-7223-213-6 y Bruguera, 1984,  2010 
1921 - The Old Maid. Trad.: La Solterona, Mondadori, 2000, 
1922 - The Glimpses of The Moon. Trad.: Reflejos de luna, Ediciones B, 1996, 
1923 - A Son At The Front. Trad. Un hijo en el frente, Tusquets, 1998, 
1925 - The Mother's Recompense. Trad. La renuncia, Lumen, 2003, ; Nuevas Ediciones de Bolsillo, 2004, I
1927 - Twilight Sleep. Trad. Sueño crepuscular, Tusquets, 2003, 
1928 - The Children. Trad. Los niños, Alba, 2005, 
1929 - Hudson River Bracketed
1930 - Certain People
1932 - The Gods Arrive
1933 - Human Nature
1938 - The Buccaneers. Trad.: Las bucaneras, novela terminada por Marion Mainwaring, según las notas encontradas a su muerte.
1977 - Fast and Loose. Trad.: Atado y suelto; publicada póstumamente.
Old New York. Tr.: Vieja Nueva York, Ediciones Destino, 1989, y 2003; cuatro novelas.
La carta, Ediciones del Bronce, 1999 
Fighting France.
Un hijo en el frente, Tusquets, 1998 
Ida. Tr.: Ida, Mondadori, 1988, novela corta, vertida por Teresa de la Vega.
La mujer y el amor, Alba, Obra Completa,
Fiebre romana, Navona, 2010 , novela corta
Almas rezagadas, Nortesur, 2009, , novela corta
Relatos
La inclinación más fuerte (Traspiés, 2018), primer libro de relatos que incluye «La tragedia de la musa» (or. en Scribner's Magazine (julio de 1891); y en Cuando se abrió la puerta. Cuentos de la Nueva Mujer (1882-1914), Alba-Clasica maior, 2008, 
Relatos de fantasmas, Alianza, 201 cuentos, vertidos por Francisco Torres Oliver.
«El ajuste de cuentas» (en la Harper's Monthly n.º 105, agosto de 1902), está publicado (precedido de una breve biografía) en la antología Fin de siècle: relatos de mujeres en lengua inglesa, Cátedra, 2009 . Pero se recoge en otros volúmenes como los dos que siguen:
Encanto y compañía, Funambulista, 2010; siete cuentos.
Cuentos inquietantes, Impedimenta, 2015,3​ amplia recopilación.



Autobiografía
1934 - A Backward Glance, trad. Una mirada atrás, Ediciones B, 1994, , vertido por J. Gubern, y 1997, I; RBA Coleccionables, 2004, 
Viajes
Viaje por Francia en cuatro ruedas, Plaza & Janés Editores, 2001, 
1920 - In Morocco. Tr.: En Marruecos, Pre-Textos, 2008, 
Cuaderno de viajes: el viaje considerado como una de las bellas artes (Mondadori, 2001, 
Del viaje como arte. Travesías por España, Francia, Italia y el Mediterráneo (La Línea del Horizonte, 2016, 

https://es.wikipedia.org/wiki/Edith_Wharton
https://www.filmaffinity.com/es/film210498.html
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jueves, 23 de enero de 2025

María Guerrero actriz y empresaria teatral referente



María Ana de Jesús Guerrero Torija (Madrid, 17 de abril de 1867-Madrid, 23 de enero de 1928)​ fue una destacada actriz de teatro española y una de las primeras empresarias teatrales a nivel nacional. Controló, junto a su marido Fernando Díaz de Mendoza, un amplio periodo de la escena teatral, tanto en España como en Hispanoamérica.

Nació  en el seno de una familia acomodada. Fue hija de Casilda Torija y Ramón Guerrero, un tapicero y decorador que acababa de volver de Francia y que había sido contratado para proporcionar muebles a algunos teatros de Madrid.​ Su padre tenía un gran interés por el arte y esto le llevó a tener amistad con figuras del panorama cultural e intelectual madrileño .

Tras recibir su educación en el Colegio de San Luis de los Franceses de Madrid hasta los quince años, estudió arte dramático con la actriz Teodora Lamadrid a partir de 1885. Lamadrid no solía admitir alumnas en su casa, pero gracias a su padre y a los contactos que tenía este en la sociedad madrileña, admitió a María Guerrero y le enseñó a respirar, a recitar en verso y a actuar.

Cuando María cumplió dieciocho años insistió en actuar y  empezó a formar parte de la compañía de Emilio Mario . Finalmente, debutó el 28 de octubre de 1885 con la obra Sin familia, de Miguel Echegaray en el Teatro de la Comedia de Madrid.

Durante sus primeros años como actriz solía realizar papeles de dama joven e ingenua. En 1890, cinco años después de su debut, dejó la compañía de Emilio Mario y pasó a formar parte de la compañía de Ricardo Calvo como primera actriz del Teatro Español, representando obras clásicas y de la época con gran éxito. Su Doña Inés —del Don Juan Tenorio de José Zorrilla—, que interpretó en 1891, fue uno de sus personajes más aclamados a lo largo de toda su carrera profesional, y la consagró como actriz.​ Tanto es así que se convirtió en inspiración para autores teatrales del momento .

Amplió sus estudios teatrales en París con el actor y director Benoît-Constant Coquelin en 1891, quien le enseñó a declamar. De vuelta a España, en 1892, volvió al Teatro de la Comedia como primera actriz con Emilio Mario, pero dos años más tarde, en 1894, abandonó la compañía para crear la suya propia y se embarcó en un proyecto muy ambicioso en el Teatro Español.


En 1894 salió el teatro Español a concurso por el Ayuntamiento de Madrid y María Guerrero  lo solicitó y le fue concedido para diez temporadas. Lo primero que debía hacer sería renovar todo el teatro y para ello su padre, Ramón Guerrero, tuvo que vender sus propiedades. Mientras que las obras estaban en curso padre e hija se dedicaron a confeccionar el nuevo elenco de la compañía con la ayuda de Ricardo Calvo, primer actor y director artístico.​ Como las obras no habían terminado para cuando comenzó la temporada teatral de 1894-1895, tuvo que comenzar la temporada en el Teatro de la Princesa.

Entre los actores seleccionados para la compañía se encontraba Fernando Díaz de Mendoza, un aristócrata joven y viudo a quien se seleccionó para los papales de joven galán. Fernando Díaz de Mendoza y María Guerrero interpretaron juntos varias obras como María Rosa, de Ángel Guimerá, o Mancha que limpia, de José Echegaray. Su relación se fue estrechando y se casaron el 10 de enero de 1896. Con Fernando Díaz de Mendoza tuvo a sus dos hijos, Fernando (5 de marzo de 1897) y Carlos Fernando (4 de septiembre de 1898).

Una escena del drama de Guimerá La araña, con Guerrero y Díaz de Mendoza.


Tras el nacimiento de sus hijos, en 1899, la compañía Guerrero-Díaz de Mendoza emprende una gira por Latinoamérica a la que siguió, un año después, otra por Francia, Bélgica e Italia. Con motivo de sus giras perdió la concesión del Teatro Español en 1900, con lo que se quedó temporalmente sin teatro y sin el prestigio que le otorgaba este. Entre 1901 y 1909 tuvo la posibilidad de volver a este teatro estrenando grandes obras en él y compaginando estas representaciones con otra gira internacional por Latinoamérica en 1908, pero ya no se sentía a gusto porque sentía limitada su libertad. Por este motivo, y gracias a los beneficios de sus giras, el matrimonio Díaz de Mendoza-Guerrero compró el Teatro de la Princesa en marzo de 1908.


El Teatro de la Princesa —que desde 1931 se llama Teatro María Guerrero— se reinauguró en noviembre de 1909 con la obra Doña María la Brava, un texto escrito por Eduardo Marquina expresamente para la pareja.​ Fue apodada «María la Brava» por el periodista Mariano de Cavia.2​ En 1918 llegaron a fijar este teatro como su residencia permanente, trasladándose con sus dos hijos a una nueva quinta planta que construyeron para ello con el fin de poder financiar la construcción del Teatro Cervantes de Buenos Aires, que se inauguró el 5 de septiembre de 1921, pero que les llevó a la banca rota.

​ El Teatro María Guerrero es actualmente una sede del Centro Dramático Nacional​ y fue, durante la época de María "la Brava", el centro de reunión de la sociedad madrileña donde actuaron actrices de la talla de Margarita Xirgu.


Durante el resto de su trayectoria profesional realizó más de veinticinco giras por el extranjero,10​ principalmente por Latinoamérica (1897, 1908, 1910, 1914...), con especial querencia por Uruguay y Argentina. En la ciudad argentina de Córdoba, fue una de las inauguradoras del Teatro Rivera Indarte (llamado actualmente Teatro del Libertador General San Martín), y en Buenos Aires inauguró el Teatro Avenida y pagó para que se construyera el ya mencionado Teatro Nacional Cervantes.​ En 1926 también llegó a actuar en la Manhattan Opera House de Nueva York.


A lo largo de su carrera estrenó obras de los  mas relevantes autores y dio trabajo a actrices y actores importantes de la época como Elena Salvador, María Cancio, Catalina Bárcena, Emilio Masejo, Emilio Thuillier, Josefina Blanco o María Fernanda Ladrón de Guevara​ y llegó a actuar con actrices internacionales como Sarah Bernhardt en una actuación en francés que tuvo lugar en el Teatro Español.

Falleció en su vivienda el 23 de enero de 1928, con sesenta años, a consecuencia de un ataque de uremia, un fallo renal, tan solo siete días después de su última función en la que estrenó Doña Diabla, de Luis Fernández Ardavín.​ Está enterrada en el cementerio de la Almudena de Madrid y su muerte conmocionó a toda la ciudad.  Su entierro multitudinario 

Su hijo mayor, Fernando Díaz de Mendoza y Guerrero, tuvo una relación extramarital con Carola Fernán Gómez, una actriz que trabajaba para la compañía de su madre. Cuando su madre se enteró de esta relación mandó a Carola a América sin saber que estaba embarazada. Carola tuvo en Lima (Perú) un niño, quien luego ha resultado ser el gran actor Fernando Fernán Gómez que nunca fue reconocido por la familia Díaz de Mendoza-Guerrero, y tampoco por su padre, con el que llegó a encontrarse en al menos una ocasión.



María no solo ha sido una de las mejores actrices de la escena española, sino que también llevó su repertorio de más de doscientas obras —tanto clásicas como de la época—con orgullo por todo el mundo, pasando por Italia, Uruguay, Argentina, Bélgica, Francia, Estados Unidos o Perú.

Durante su trayectoria profesional sirvió de inspiración para muchos dramaturgos de finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX y estuvo comprometida con llevar a los escenarios grandes obras del Siglo de Oro. Su interés fue tal que decidió dedicar los lunes en el Teatro Español a la representación de los clásicos, en un programa llamado "Los lunes clásicos", revitalizando así los grandes clásicos españoles.

La Guerrero, además, fue pionera en España en apagar las luces del teatro, en 1900, ya que hasta el momento las luces del público se mantenían encendidas durante la función, lo que hacía del teatro un acto más social que cultural. Tampoco escatimó en gastos para las puestas en escena de sus obras, que elaboraba con mucho mimo, ya que era ella la productora y diseñadora artística de sus obras. Su trabajo sentó las bases de un teatro muy bien representado y exquisitamente vestido, incluyendo incluso hasta varios cambios de vestuario.​ Por todo ello se considera que fue doña María Guerrero quien llevó al teatro español a la modernidad.

https://es.wikipedia.org/wiki/Mar%C3%ADa_Guerrero

https://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/guerrero_maria.htm

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